17 февраля 2012 Пьесу Нила Саймона «Дилемма Роуз» ставит в Краснодарском драмтеатре Геннадий Николаев. У нового спектакля все шансы стать театральным хитом. В пьесе Саймона есть интрига, неожиданные сюжетные повороты, добрый юмор и совершенно неожиданный финал. Премьера состоится в мае. Режиссёр Геннадий Николаев решил не посвящать зрителей в подробности своего творческого замысла. Более того, он не рекомендует читать пьесу заранее, иначе будет снята интрига. Вот то немногое, что сообщил Геннадий Валентинович: спектакль для камерной сцены, графичная сценография Сергея Аболмазова контрастирует с тёплым, ярким способом существования актёров на сцене. Режиссёр увидел в тексте Саймона переклички с романом Булгакова «Мастер и Маргарита». Для Николаева «Дилемма Роуз» — общечеловеческая история, гимн вечной любви, которая сильнее смерти. По словам Николаева, он не ставит трагикомедию или мелодраму в чистом виде. Его интересует синтез жанров. В ролях заняты актёры со званиями. Заслуженные артисты России Андрей Светлов, Ольга Светлова, Вера Великанова и заслуженный артист Кубани Георгий Хадышьян. Автор пьесы Нил Саймон – один из самых титулованных американских драматургов и сценаристов.  Он неоднократный обладатель премии «Тони», премии «Золотой глобус»,  Пулитцеровской премии в номинации «За драматическое произведение для театра», приза Марка Твена за Американский юмор, награды Центра Кеннеди за творческие заслуги. ИЗ ПЬЕСЫ «…Дорогая Роуз, Когда ты проснёшься сегодня утром, меня уже не будет… Я исчезну навсегда. Искренне прошу прощения, что покидаю тебя так неожиданно, но ведь этому рано или поздно суждено было случиться… На днях я солгал тебе… А может, ты сама себе… Я покидаю тебя и отправляюсь туда, где и пребывал все эти годы, потому что боюсь за твоё душевное здоровье. Вся беда в том, и нам обоим это хорошо известно, что мы играли в эту игру слишком долго… И это было чертовски здорово.

01 февраля 2012 «Тринадцать разгневанных женщин» — рабочее название пластического спектакля, к репетициям которого приступила хореограф Н. Шурганова. Премьера намечена на 14 и 15 марта. Кажется, ничего подобного в Краснодарском драматическом ещё не было. И уж совершенно точно – не было в последние десятилетия. Спектакль на стыке жанров – хореографии и драматического искусства. В «Тринадцати разгневанных женщинах» минимум слов. Драматические актёры будут использовать, главным образом, средства пластической выразительности. По словам хореографа и режиссёра Натальи Шургановой, драматургической основой спектакля стала сама жизнь. Спектакль будет состоять из ряда новелл, в каждой из которых раскрывается какая-то грань, ипостась одной и той же женщины. В разных новеллах эту женщину будут играть разные актрисы. Женщина попадает в различные ситуации, которые объединяет одно: Она гневается. И до белого каления Её доводят, разумеется, мужчины. Наталья Шурганова окончила Екатеринбургский государственный театральный институт по специальности актёр пластического театра, затем Тюменскую академию культуры и искусств по специальности режиссёр любительского театра. В настоящее время учится на балетмейстерском факультете Российской академии театрального искусства (бывший ГИТИС). Шурганова известна как постановщик пластики и хореографии в драматических спектаклях театров Тюмени, Новосибирска, Владимира, Канска, Ачинска. В частности, она стала соавтором «Гамлета», поставленного в Краснодарской драме Александром Огарёвым. До этого Огарёв и Шурганова выпустили спектакль «Тайна пропавшего снега» в московском театре «Школа драматического искусства». Кроме того, Шурганова придумывает и режиссирует собственные проекты. Наталья объясняет, что даже с артистами, получившими профессиональное хореографическое образование, не работает в жанре чистого танца, чистого балета, хореографии как таковой. Интересно смешение разных жанров, когда танец становится не самоцелью, а одним из выразительных средств. Художник-постановщик нового спектакля Илья Кутянский – выпускник постановочного факультета Школы-студии МХАТ. Кутянский сотрудничает с театрами Петербурга, Красноярска, Иркутска, Хабаровска, Ставрополя, Вильнюса. Семь лет был главным художником новосибирского «Красного факела» — театра, за которым закрепилось неофициальное название «сибирский МХАТ». Кутянский рассказывает, что новый пластический спектакль будет именно о современной женщине. Каждый костюм – своего рода архетип: бизнес-вумэн, домохозяйка, гламурная Барби, вечная невеста, женщина-романтик, женщина-пролетарий… В «Тринадцати разгневанных женщинах» будет использована видеоинсталляция. В ролях заняты Ирина Хруль, Наталья Арсентьева, Мария Грачёва, Елизавета Велиган, Валерия Симакова, Анна Еркова, Алексей Сухоручко, Алексей Мосолов, Андрей Харенко и другие.

27 января 2012 «Проказы ведьм в двух частях» — так режиссёр обозначил жанр будущего спектакля. «Панночка» — это не инсценировка произведения классика. Мистическая повесть Гоголя «Вий» вдохновила современного драматурга Нину Садур на создание собственной оригинальной пьесы. Сохранив колоритных персонажей, присущий Гоголю юмор и основную сюжетную линию, Садур предложила свою трактовку истории о бедном философе Хоме и одолевшей его нечисти. Пьеса Нины Садур метафорична и многопланова. Драматург поднимается до философских обобщений. Хутор, на который набрёл Хома, — это почти модель Вселенной. Сродни научным дискуссиям в кружке Платона застольные беседы казаков Явтуха, Спирида и Дороша, только строгой логике они предпочитают образность и поэтичность. К «нестарой ещё бабёнке» Хвеське драматург относится с иронией. Вместе с тем Хвеська в этой пьесе – олицетворение женственности, женского начала в этом мире. Хома на протяжении пьесы переживает серьёзную эволюцию. На хутор он является праздношатающимся балагуром. В финале это человек, который понял о жизни что-то очень важное. Судя по репетициям, Александр Огарёв ставит внебытовой спектакль. Как и в предыдущих работах, для него важны не «этнографические» подробности, а интерпретация мифа. В спектакле будут использованы мультимедийные технологии. Философ Хома встретится с ведьмами и ведьмаками в разных пространствах. В том числе и в пространстве иллюзорном, пространстве своего подсознания. Соавторы спектакля – сценограф Сергей Аболмазов и хореограф Наталья Шурганова. Она вместе с режиссёром сочиняет танцы для персонажей «панночки» Спектакль будут играть в двух составах. В ролях заняты, в частности, Анатолий Горгуль, Владимир Подоляк, Георгий Хадышьян, Алексей Сухоручко, Александр Крюков, Виктория Лукина, Екатерина Крыжановская. Хому будут играть в очередь Арсений Фогелев и Михаил Дубовский. РЕЖИССЁР А. ОГАРЁВ О БУДУЩЕМ СПЕКТАКЛЕ: В этом спектакле, может быть, нам получится отразить не только сюжет, но и каким-то ассоциативным образом духовные искания самого Гоголя, его внутренний конфликт. Надеюсь, что спектакль получится зрелищным, нескучным. Зритель получит пищу не только для глаз, но и для сердца. ИЗ ПЬЕСЫ: ЯВТУХ. …кончились чудеса на свете, товарищи вы мои хорошие. Хоть до самого Киева пройди пешком через все наши степи и леса, а ни одного чуда пo дороге ты не встретишь. Спирид рыдает. Не плачь, друже! Выпей лучше горилки, залей свое горе. СПИРИД. (отталкивая чарку). Не можно человеку без чуда жить! Явтух, как же ты, ковтун сивый, такое говорить-то можешь? Чтоб до самого великого Киева и ни одного чуда на свете не осталось? ЯВТУХ. (упрямо). Нету чудес. СПИРИД. Боже ж мой, боже ж мой, что же это в мире делается? Как же человек без чуда жить теперь будет, если он один на всей земле и никакой ему истории не приключится? Ничто теперь ему не привидится, ни одна тайная красота не сверкнет в утреннем тумане, не поразит в самое сердце, и не пойдет он искать червонного клада под душную ночь Ивана Купалы?

16 января 2012 13-го января в нашем театре состоялась праздничная программа «Старый Новый год в театре драмы». На три часа зрители погрузились в атмосферу веселого праздника, радости и удовольствия. Конкурсы и хороводы, стихи  и песни у новогодней елки, подарки, самый настоящий Дед Мороз и Снегурочка помогли вернуться взрослым в беззаботное детство. Каждый желающий смог померяться силой с медведем, испить Несмеянены слёзы, получить предсказание на 2012 год из рук прекрасных фрейлин, поучаствовать в ворожбе в компании Бабы Яги и Лешего. Сюрпризом для всех гостей стал просмотр новогодней сказки «Снегурочка», ведь зрители сидели не в зале, а прямо на авансцене театра, где специально для них были установлены места. Завершился праздник традиционными курантами, бокалом шампанского  и запуском воздушных шариков-желаний в ночное небо Краснодара. На празднике работало несколько фотографов.  Для начала представляем вашему вниманию фотоотчёт одного из них. Итак, «Старый Новый год» глазами фотографа Светланы Нефедовой.

12 января 2012 «Тринадцать разгневанных женщин» — рабочее название первой премьеры 2012 года в Краснодарском драматическом театре. На суд зрителей она будет вынесена в марте. Режиссёр-хореограф Наталья Шурганова поставит пластический спектакль для камерной сцены. — В этом спектакле будет занята, в основном, молодёжь театра, хотя и некоторые опытные артисты тоже будут привлечены, в частности, Наталья Арсентьева, Ирина Хруль. – рассказывает главный режиссёр театра Александр Огарёв. — И этот спектакль, видимо, будет состоять из каких-то новелл, из зарисовок на тему женской судьбы, женской души. Какие-то ситуации, отношения мужчины и женщины. Я надеюсь, что это будет хотя и молчаливый, но весёлый спектакль, изобретательный. Надеюсь, что он будет отмечен печатью таланта, который, несомненно, присутствует у Натальи Шургановой. Надеюсь, у этого спектакля будет свой зритель, какая-то своя театральная судьба – поездки, фестивали. К слову, краснодарские зрители уже видели, как умеет работать Шурганова. В качестве хореографа-постановщика она стала соавтором, пожалуй, самой громкой премьеры минувшего календарного года в Краснодарском драматическом – спектакля «Гамлет». 27 апреля главный режиссёр театра представит на суд публики свой новый спектакль. Огарёв поставит пьесу современного драматурга Нины Садур «Панночка», написанную по мотивам  мистической повести Николая Васильевича Гоголя «Вий». Спектакль будет идти на большой сцене. — В этом спектакле, может быть, нам получится отразить не только сюжет, но и каким-то ассоциативным образом духовные искания самого Гоголя, его внутренний конфликт. Надеюсь, что спектакль получится зрелищным, нескучным. Зритель получит пищу не только для глаз, но и для сердца. К 9 Мая театр подготовит программу по стихам и песням военных лет. Это будет искреннее и небанальное высказывание о Великой Отечественной. Осенью — в начале следующего, девяносто третьего, театрального сезона – афиша театра пополнится двумя названиями. На середину сентября намечена премьера знаменитой комедии «Покровские ворота» по пьесе Леонида Зорина, которую поставит петербуржец Вадим Романов. Пьеса ностальгическая. Действие происходит в Москве осенью 56-го. Действующие лица — удивительные и колоритные обитатели московской коммуналки. Главная сюжетная линия связана с приключениями и похождениями одного из них – бесшабашного аспиранта Костика. По этой пьесе в начале 80-х Михаил Казаков поставил культовый фильм с одноименным названием. Реплики персонажей давно стали народным фольклором. Главный режиссёр поставит пьесу Теннесси Уильямса «Кошка на раскалённой крыше». Премьера состоится в середине октября на большой сцене. Уильямс – один из знаковых драматургов двадцатого века. В его произведениях отразились радость и боль, надежда и отчаяние, любовь и ненависть самого автора и его современников. — В спектакле будет представлено как молодое, так и старшее поколение театра. –объясняет Огарёв. — Какой-то максимально возможный срез всех сил труппы. Это интересная, мощная, трагическая, поэтическая пьеса с уникальным юмором. Далее Александр Огарёв планирует взять в работу чёрную комедию в английском духе, название которой пока не раскрывает. В декабре по многолетней традиции Краснодарский драмтеатр пригласит юных зрителей на премьеру новогодней сказки. — Есть и другие задумки и планы на 2012 год, но об их выполнении пока рано говорить. – завершает беседу главреж. Беседовал Андрей Новашов

23 декабря 2011 Афиша Светланы Нефёдовой заняла второе место во втором Всероссийском интернет-конкурсе «Лучший театральный плакат». Свои голоса за эту афишу отдали 7907 пользователей глобальной сети. Светлана Нефёдова, как и другие победители, получит памятный диплом и специальный приз. Кроме того, краснодарский театральный плакат будет опубликован в журнале «Сцена». Информация об участии краснодарского театрального плаката в конкурсе была размещена на сайте нашего театра. Спасибо всем, кто проголосовал за афишу к «Гамлету». Голосование проходило на сайте Союза театральных деятелей РФ. Именно эта организация – инициатор проведения конкурса. В нём приняли участие сто пятьдесят работ. География участников: Минусинск, Благовещенск, Сыктывкар, Магадан, Петрозаводск, Абакан, Саров, Липецк, Улан-Удэ, Челябинск, Хабаровск, Нижний Новгород, Воронеж, Архангельск, Пермь, Ульяновск, Новосибирск, Ханты-Мансийск, Йошкар-Ола, Саратов, Камышин, Якутск, Великий Новгород, Киров, Ростов-на-Дону, Екатеринбург, Белгород, Серов, Сарапул, Новошахтинск, Санкт-Петербург, Москва и др. Авторы краснодарской афиши сознательно ушли от гламура, «красивости». Как и сам спектакль, этот театральный плакат очень необычен. Ярко освещенная фигура глухонемой девушки и на стене тень этой фигуры. Тень со свёрнутой шеей. Это чёрное пятно на кирпичной стене своим силуэтом напоминает обгоревшую спичку. Последняя реплика Гамлета в пьесе Шекспира: «Далее – тишина».  Режиссёр краснодарского спектакля Александр Огарёв придумал персонифицировать Тишину, сделать одним из действующих лиц (кто уже успел посмотреть спектакль, понимает, о чём идёт речь). Именно Огарёву принадлежит концепция афиши. Воплощением занималась Светлана Нефёдова. Она выполнила фотографию Ирины Хомской (статистки, сыгравшей в спектакле Тишину) и компьютерную вёрстку плаката. С Краснодарским драматическим Светлана сотрудничает более десяти лет. Начинала как помощница бутафоров и швей. Сейчас Нефёдова работает в театре фотографом и дизайнером. Выполнить театральный плакат Светлане Нефёдовой помогли сотрудники Краснодарского драмтеатра, в частности, художник по свету Андрей Лебедь, художник-гримёр Александра Дементьева, гримёр-парикмахер Ольга Юзяк, костюмер Валентина Кранова. По итогам интернет-голосования первое место в конкурсе занял ханты-мансийский художник Павел Мизёв (плакат к спектаклю «Черная песня» театра обско-угорских народов «Солнце»). На третьем месте Всеволод Кривоус (плакат к «Доходному месту» Ростовского драмтеатра). Плакат Андрея Бондаренко к спектаклю Российского академического молодежного театра (Москва) «Будденброки» стал победителем по версии профессионального жюри конкурса, работавшего параллельно с ходом интернет-голосования. Андрей Новашов, завлит Краснодарского драмтеатра

14 декабря 2011 — Родилась я в шахтёрском городке Горловка Донецкой области. Папа шахтёр, мама инженер. Семья не актёрская. – рассказывает Ирина Хруль. — Но мама и бабушка пели. Мама занимались в струнном оркестре. В четыре года я увидела по телевизору, как выступает Клавдия  Шульженко. Решила, что тоже буду артисткой. В школьные годы пела в ВИА при Доме пионеров, после  школы сбежала поступать в Киевский театральный институт. Туда не поступила – приехала слишком поздно. Мама мне сказала: «Приобретай какую-нибудь нормальную профессию, а потом уже иди в артистки!». Послушалась, окончила торговый техникум, а потом мама поняла, что моё призвание быть актрисой, благословила на поступление и отправила в Воронеж. Моими педагогами в театральном институте были замечательные и талантливые люди Ванда Павловна Оттович и Всеволод  Михайлович Турчин. Кстати, они же  преподавали  и у Александра Огарёва (главного режиссёра Краснодарской драмы – А. Н.), только он учился на четвёртом курсе, а я на первом. — Как Вы оказались в Краснодарском театре? — Наш курс приехал посмотреть главный режиссёр Краснодарского драмтеатра  Валерий Бухарин. В институте я вышла замуж за однокурсника, родила дочку,  и в тот момент меня он не видел, пригласил  на работу в театр моего мужа, меня взял  в придачу, не глядя. Вот так я тут и поселилась. – иронизирует Ирина Алексеевна. — Каким был театр 25 лет назад? — Сейчас кажется, что всё было лучше. Наверное, потому, что мы были молодые, всё воспринималось  легче.  Очень   много  было молодёжи, было весело, легко, интересно. Много работали, ездили на гастроли по стране. — Вы играли вместе с Александром Огарёвым? Он чём-то выделялся на общем фоне? — Мы работали в спектаклях «У моря» и «Завтра была война».  Александр Анатольевич и в институте, и в театре  был неординарным, талантливым человеком… В нём всегда была какая-то экспрессия, что-то неожиданное. — Вы упоминали спектакль «Завтра была война». Кого Вы там играли? — Я играла Вику Люберецкую. Это был первый мой спектакль в Краснодаре, ставил Михаил Владимирович Нагли. Рядом с мастерами сцены — Татьяной Водопьяновой, Станиславом Гронским — играла молодёжь, нынешние корифеи Краснодарского драмтеатра — Вера Великанова, Саша Огарёв, Сергей Мочалов, Анна Романникова, Равиль Тахтаров, Татьяна Корякова. — Ваша любимая роль за 25 лет? — Вика Люберецкая – потому что это самая первая роль. А вообще я люблю всё что играю. Сейчас  очень люблю свою Малышеву  в спектакле «Негромкие слова любви». Поставил спектакль талантливый режиссёр и замечательный человек Владимир Анатольевич Кулагин. Во время репетиций  была потрясающая творческая атмосфера, он так любит актёров, что своей любовью заразил и нас. Мы были как одно целое. Я до сих пор всегда рада встрече на сцене со своими партнёрами по этому спектаклю Александром Катковым и Натальей Арсеньтевой. — За четверть века работа в театре не превратилась в рутину? — Мне интересно в театре. Я не смогла бы работать «с восьми до пяти». Меня спрашивают, как я не побоялась отправить дочку в театральный институт… А я считаю, что это самая прекрасная для женщины профессия. Конечно, интересно, когда много работы. А если ты сидишь и ничего не делаешь, и мало ролей… Тогда начинает казаться, что всё — рутина.  Хотя  находится в ожидании  чуда тоже хорошо. Главное, чтобы это ожидание не очень долго длилось. — Что для Вас работа в кино? — Первый фильм — «Сувенир для прокурора». Это было в конце 80-х годов. Нас — молодых актёров — меня, Андрея Соломыкова, Сергея Мочалова — пригласили просто в массовку, но мне всё очень понравилось. Это был другой мир! Кино для меня как праздник. Я бы снималась каждый день по 24 часа, но, когда рядом нет киностудии, сделать кинокарьеру трудно. Не так много фильмов, где я снималась. Сериалы «Морской патруль», «Морские дьяволы», «Жестокий бизнес», «Свой человек», Недавно снялась в полнометражном фильме «Там, где ты». Играла маму главной героини. Роль дочери исполнила Эльвира Болгова. — Чем живёте, кроме театра? — У меня есть дочь, которую я обожаю. Она у меня актриса – Янина Колганова. Работает в московском театре на Перовской. Сейчас она репетирует  новогоднюю сказку «Морозко» и роль дочери губернатора в спектакле «Ревизор» (любопытно, что в краснодарском «Ревизоре» Ирина Хруль исполняет роль жены губернатора – А. Н.). И снимается в кино. Дочь — это моя главная тема. Я этим живу и даже не представляю, как можно иначе. И, слава богу, живы мама с папой. Живут рядом. Это такое счастье. Стараюсь побольше быть с ними рядом. Новый год тоже встречаем вместе, и дочка приезжает. Когда  становишься старше, сильнее понимаешь, что значит для тебя родители. Что касается хобби. Я, к сожалению, ничего не коллекционирую, не вяжу, не шью. Таких талантов у меня нет. Занимаюсь в бассейне аква-аэробикой, люблю встречаться с друзьями. Если бы позволяли средства, путешествовала бы по миру. — Мне рассказали, что Вы человек, открытый для инновации, и что Интернет прочно вошёл в Вашу жизнь — Интернет даёт возможность общаться с друзьями. Жизнь разбросала всех по разным городам и странам, а благодаря интернету возобновляем отношения. беседовал Андрей Новашов

29 ноября 2011 1 декабря свое 55-летие отметит актер Краснодарского академического театра драмы им. Горького Сергей Мочалов. Без малого три десятилетия отдал он главной драматической сцене Кубани. Менялись главные режиссеры и худруки, с ними менялись целые театральные эпохи. Но гарантом сохранения традиций, тем цементом, что схватывает, делает частью коллектива новые актерские кирпичики, которые от сезона к сезону наращивают здание труппы, всегда оставались ее долгожители. Такие, как Сергей Мочалов. Синьор Помидор Природа подарила ему веселый, легкий нрав, пластичность, обаяние и актерскую заразительность. А вот невероятную ответственность и скрупулезность он воспитал в себе сам. Еще в пионерском возрасте Сережа вырастил самый большой в крае помидор – весом полтора килограмма. Тщательно следил за своим кустом, а под гигантский томат сделал даже специальную подставку, чтобы под его растущей тяжестью не оборвалась плодоножка. Руководство Краснодарской станции юных натуралистов, где проводил свои эксперименты юный овощевод, отправило кубанского Синьора Помидора в Москву, на Выставку достижений народного хозяйства 1968 года. Оттуда прислали Золотую медаль ВДНХ и приглашение лично посетить экспозицию в следующем году. В столицу Сережа съездил, но слава Мичурина его больше не прельщала – все свободное время он посвящал теперь общественной работе и школьной самодеятельности. Может быть, и это увлечение стало бы только ярким эпизодом в биографии, но однажды в школу заглянули представители Театра юных из краевого Дворца пионеров. Там, как всегда, не хватало мальчишек – и это решило Серегину судьбу. Он нашел там друзей, которые остаются таковыми и по сей день, внимательных педагогов, а главное, атмосферу коллективного творчества. Оставаясь самим собой, в ней можно было сообща создать частичку другой жизни – спектакль. И подарить его, яркий, веселый, смешной, своим сверстникам. А от их аплодисментов получить ни с чем не сравнимое удовольствие. За ширмой В Театре юных он играл сказочных и водевильных персонажей. Мне же запомнился его герой в комедии баснописца Крылова «Урок дочкам» — такой шарманистый французик-парикмахер, которого млеющие от всего парижского купеческие дочки принимают за «ихнего» аристократа. Во-первых, он был красивый – высокий, стройный, черные кудри до плеч. А во-вторых, смешной и подвижный, как ртуть. Весь его актерский арсенал – яркий и выразительный жест, локальные густые краски, чувство ритма, способность подать репризу – могли бы стать основой успеха в столь любимом им жанре оперетты. Еще бы вокал, и такой получился бы комик или простак! Но так сложилось, что актерская биография Сергея Мочалова началась в Краснодарском театре кукол. Разбитая на самостоятельные творческие бригады, труппа тогда не только работала на своей краснодарской сцене, но большей частью колесила по кубанским городам и весям. 17-летний юноша попал в бригаду под руководством опытной актрисы Александры Астаховой. Сначала помогал на подачах, потом получил первые роли. Тем, кто думает, что куклы – дело несерьезное, я посоветовала бы послушать рассказы Мочалова о том, как он, молодой здоровый парень, часами тренировал руки с помощью театрального груза (20-килограммовой чугунной чушки, которой монтировщики закрепляют декорации). Без закалки ведь не то что работать сложной кукольной машинкой, управляющей глазами, ртом, шеей персонажа, а просто носить куклу на вытянутых вверх руках невозможно. Не облегчал задачу и высокий рост – за ширмой приходилось работать на полусогнутых ногах. Мастерство – от слова Мастер Словом, отслужив в армии, Сергей решил, что драматический театр ему все-таки ближе. И начались годы странствий – Оренбуржье, Саратовская область, Пермь. Молодой актер набирался опыта в разных театрах, нарабатывал репертуар: Ипполит в «Не все коту масленница» А. Островского, Борисов в «Муж и жена снимут комнату» М.Рощина, дон Алонсо в «Чудесах преображения» Лопе де Вега, Костик в «Ты – это я» Л.Ленча, Шатилов в «Когда цветет акация» Н.Винникова. В родной город вернулся в сентябре 1982 года и был принят в одну из самых сильных российских провинциальных трупп, которую собрал и вырастил народный артист СССР Михаил Куликовский. Михаила Алексеевича Сергей считает одним из главных своих учителей, и в профессии, и в жизни. Весь комплекс нравственных законов, который составляет основу коллективного творческого труда, молодые актеры получали от Мастера, хранили и передавали дальше, как самое дорогое наследство. При этом постоянно работали с ними такие разные и интересные режиссеры, как Михаил Нагли и Николай Никольский. Да и работа не заключалась в недельном разучивании мизансцен, это было полноценное сотворчество, начиная от застольных репетиций, подробного разбора пьесы и роли, и заканчивая совместным созданием объемного сценического образа. Сергея Мочалова заметили сразу после спектакля «Свадьбы» по Чехову, Маяковскому, Ильфу и Петрову, где он сыграл три, даже четыре разноплановых роли. Здесь-то и проявились в полной мере его лучшие актерские черты: тяга к острому пластическому рисунку, природный юмор, внутренняя радость от безудержно веселого, динамичного сценического существования. Драйв, как сказали бы сегодня. А еще любовь к броской детали в костюме, гриме или манере поведения, которая подчас решает успех роли. Вот его Монах из «Тиля» Г.Горина, забавно задрав рясу, огромными шагами улепетывает от Ламме Гудзака, шлепает по воде длинными ногами, поднимая фонтаны брызг. Вот, надев скоморошью шапочку, в «Коньке-горбунке» П.Ершова он с азартом потешает достопочтенную публику. Вот в роли подставного кюре из комедии Р. Тома «Ловушка» выпивает яд и умирает на наших глазах в жутких конвульсиях, но каким-то образом дает понять, что это игра, актерский этюд, исполненный в рамках движущей пьесу интриги. Как написано было о нем в газете «Комсомолец Кубани», «молодой актер снова в своей комической стихии. А из зала снова доносятся взрывы дружного смеха». А вот он Гильденстерн в шекспировском «Гамлете», однокурсник принца датского. Не просто однокурсник – друг. О том, что совсем недавно были они, студенты из Виттенберга, неразлучной троицей, свидетельствует придуманная режиссером Никольским мизансцена. Встретившись в мрачном Эльсиноре, Гамлет, Розенкранц и Гильденстерн без предисловий приступают к веселому дружескому поединку, будто к случайно прерванному вчерашнему занятию в гимнастическом зале университета. Короткий эпизод в исполнении Александра Катунова, Виктора Суковского и Сергея Мочалова был таким живым и грациозным, что, казалось, его можно было использовать как концертный номер. Безумец, зэк и старый вождь Пластичность актера была востребована многими режиссерами. Вместе с творческой молодежью он и в зрелом возрасте продолжал участвовать в сложно организованных массовых сценах спектаклей «Ромео и Джульетта» и «Чума на оба ваши дома». И сегодня сохраняет прекрасную физическую форму, работая в «Тектонике чувств» Э. Шмитта и гоголевском «Ревизоре». Но самыми интересными и серьезными из его ролей последних лет мне кажутся Ракли из спектакля «Пролетая над гнездом кукушки» Д.Вассермана в постановке Валерия Гришко, Безухий из премьеры «Dаwn-way» О.Богаева молодого режиссера Кирилла Вытоптова и Председатель общины из «Лавины» Т. Джюдженоглу, поставленной Алексеем Ларичевым. Беспомощный безумец Ракли – один из самых безобидных пациентов психиатрической клиники. И молчаливых. Может быть, поэтому другие заботятся о нем без брезгливого недовольства. И когда он с упоением играет роль баскетбольной корзины в организованном в палате матче, это становится кульминацией прекрасной новой жизни, которая пришла в психушку вместе с новым пациентом. И самым горьким свидетельством ее невозможности становится бессильный, отчаянный бунт Ракли против запрета матча. Словно распятый на металлической сетке, сотрясаемый рыданиями, он впервые исторгает из себя слово. И слово это повторяется крещендо: «К черту всех! К черту!! К черту!!!». Что-то истерическое есть и в сбежавшем из заключения Безухом. Как Пьер Безухов, он чтит нравственный закон. Во всяком случае, персонаж Сергея Мочалова – единственный из двух десятков представителей разных социальных слоев делает хотя бы попытку помочь живому существу, попавшему под колеса автомобиля. И неважно, что зэком движет не человеколюбие, а стремление жить «по понятиям». Оно на поверку оказывается благороднее нынешнего полного отсутствия каких-либо понятий о моральных императивах. Спектакль «Лавина» о том, как губительно молчание из страха, как оно входит в привычку, как парализует все живые реакции и, наконец, отнимает голос, оставляя лишь сипение. Горстка людей живет в горах, где любое громкое слово, не говоря уже о крике младенца, может вызвать сход лавины. А тут вдруг – роды. Только через репродуктор мы слышим болезненный шепот Председателя общины, который пришел выяснить все обстоятельства дела и принять решение: законопатить роженицу в гроб или позволить произвести на свет ребенка. Актер С. Мочалов достает черный квадрат громкоговорителя из складок костюма и до конца спектакля с ним не расстается, напоминая сразу всех «громкоговорящих» вождей, которые на самом деле больше всего на свете боятся малейших изменений в привычной, пусть и неудобной системе. Сыграно неожиданно, но очень органично. Все началось с «Сувенира для прокурора» В последние годы актер Мочалов не только плотно занят в спектаклях театра, но и в съемках популярных сериалов. Кстати, один из его героев, в фильме «Боец», тоже был зэком. Грузин, рецидивист по кличке Шалва, он отбывал в колонии строгого режима срок за убийство и организацию группового убийства. Тайком Сергею удалось выяснить у настоящих заключенных Апшеронской колонии, которые стали живописной массовкой фильма, сколько лет мог получить за содеянное этот персонаж. Оказалось, не меньше двадцати. Знакомство с правовыми нормами продолжилось в сериале «Морские дьяволы». Только уже по другую сторону колючей проволоки. Здесь Сергею досталась роль следователя. Работу над ней вместе с режиссером Кириллом Капицей он считает самой интересной в своей кинобиографии. Роль непростая, с неожиданным поворотом в отношениях с главным героем. Просто герой Мочалова – настоящий профессионал, он не раскрывает всех карт, чтобы не вспугнуть настоящего преступника. В активе актера – более 10 фильмов, первым из которых в далеком 1988 году стал «Сувенир для прокурора» режиссера Александра Косарева. Картина снималась в Краснодаре и на Черноморском побережье, многие эпизоды в ней сыграли актеры Краснодарского театра драмы. Сегодня любителям сериалов известны работы Сергея Мочалова в «Карусели», «Жестоком бизнесе», «Морском патруле», «Сестрах Королевых» и др. Недавно он участвовал в съемках фильма «Офицеры. Кодекс чести». Съемки съемками, но главное для него в жизни – это театр. Родной дом в родном городе с общими для всех его обитателей радостями и проблемами, репетициями и премьерами, капустниками и фестивалями. И ожиданием новых ролей. София Малахова

29 ноября 2011 19 ноября в нашем театре состоялась Театральная гостиная под названием «Нужна ли Краснодарскому драмтеатру современная драматургия, или «классики все уже написали?». Ведущими юбилейного вечера традиционно стали Евгения Карпанина и Андрей Соломыков. В числе гостей были приглашенные эксперты в театральном деле София Малахова и Елена Петрова. Зрители на импровизированной сцене увидели фрагменты из двух спектаклей, недавно пополнивших афишу нашего театра — «Dawn-Way» и «Наташина мечта»…

29 ноября 2011 Двадцать один год назад в Краснодарской драме шёл «Гамлет» с Александром Катуновым в заглавной роли. Через несколько дней в спектакле Александра Огарёва зрители увидят Катунова в роли Клавдия. Накануне премьеры актёр рассказал, каким был его Гамлет 90-х и как сегодня он трактует образ Клавдия. — «Гамлет» на сцене – огромное событие для любого города. – убеждён Александр Григорьевич. В афише Краснодарского драмтеатра «Гамлет» появился накануне развала СССР. — Ставил замечательный Николай Михайлович Никольский. Жизнь так устроена: он был моложе меня, но его уже нет. – рассказывает Александр Катунов. За основу Никольский взял перевод Лазинского, а не Пастернака. Время было революционное. Одни политики навсегда «сходили с дистанции», другие поднимались на гребне народного недовольства. Центральная тема «Гамлета», поставленного Никольским, – борьба за власть. Сыгранный Катуновым Гамлет был довольно мрачным, отрешённым, погружённым в себя человеком. На репетициях режиссёр Никольский  просил, чтобы Александр Григорьевич визуально ориентировался на лидера сверхпопулярной в те годы рок-группы «Наутилус Помпилиус» Вячеслава Бутусова. — Бутусов об этом конечно не знал. – шутит Александр Григорьевич. Вместе с режиссёром спектакль сочинял начинающий сценограф Николай Симонов. Ныне это имя хорошо известно столичным театралам. Симонов сотрудничает с МХТ им. Чехова, «Табакеркой», «Современником», Мариинским театром. В краснодарском «Гамлете» 90-х центральным элементом стало огромное – во всю сцену – вращающееся колесо. Убитых подбирала машина-«труповозка» на воздушной подушке. Труппы исчезали внезапно. — Эффект был замечательный. – объясняет Катунов. — Лежит человек, рядом проезжает машина, некий ящик. И человека нет. В ролях были заняты: Гертруда – Инна Станевич, Офелия – Диана Кулик, Клавдий – Александр Катков, Полоний – Владимир Щербаков. Спектакль имел успех. — Один из корреспондентов даже написал что-то в таком духе: «Кто видел «Гамлета» — тот Катунова не забудет никогда!». – иронизирует Александр Григорьевич. В новом спектакле по «Гамлету» Катунов исполнит роль Клавдия. То есть именно того человека, которого принц датский считает причиной всех бед. Чтобы сыграть того или иного персонажа, актёр должен его оправдать. — А почему вы так уверены, что Клавдий – братоубийца? – вслед за режиссёром спорит с общепринятой трактовкой Александр Григорьевич. — Мало ли, что Гамлету привиделось! Какой-то Призрак… Если предположить, что Призрак – плод больного воображения Гамлета, то Клавдий перед ним честен. Он любит его мать, и коленопреклонённо просит Гамлета принять его как отца. Клавдий пытается наладить с принцем датским нормальные отношения. После того, как Гамлет убивает Полония… Высылая Гамлета из страны, Клавдий его спасает от заслуженного наказания. Другие статьи по теме:

28 ноября 2011 Представляем Вашему вниманию фотоотчет с гастролей, проходивших с 16-го по 18-ое ноября, в городе Туапсе. В течении трех дней было показано 7 спектаклей: «Быть или не быть», «В тени виноградника», «№ 13» и «Звезда казака», которую артисты  демонстрировали туапсинцам 3 раза!!!

07 ноября 2011 В театре имени Маяковского — первая премьера сезона, который театр открыл с новым художественным руководителем – Миндаугасом Карбаускисом. «Месяц в деревне» Тургенева поставил Александр Огарёв, ученик Анатолия Васильева, лауреат премии «Золотая Маска». В главных ролях – Евгения Симонова (Наталья Петровна), Юрий Колокольников (Беляев), Полина Лазарева (Верочка). Незадолго до премьеры в театре разразился очередной скандал. Миндаугас Карбаускис, занявший место художественного руководителя в мае 2011 года (после того, как актеры выразили недоверие его предшественнику Сергею Арцибашеву), написал письмо в департамент культуры правительства Москвы с просьбой вмешаться в его конфликт с директором театра. Карбаускис заявил, что может уйти. Новых вестей из департамента не поступает, а сам Карбаускис занят «Талантами и поклонниками» Островского. Тем временем Александр Огарев выпустил «Месяц в деревне» Тургенева. В роли Беляева – Юрий Колокольников. На репетиции, вместо листочков с текстом, он держал в руках планшетник. Корреспондент Радио Свобода спросила режиссера Александра Огарева, видел ли он такое прежде? – Я это увидел впервые. Колокольников внедряет новые технологии, сам он – продвинутый пользователь, учит и нас быть продвинутыми На вопрос о том, как Юрий Колокольников появился в театре имени Маяковского (он — приглашенный артист), Александр Огарев ответил: – Пока я был в отпуске, стало известно, что актер, который прежде репетировал роль Беляева, от нее отказался ради сериала. Это уже второй актер (тот, что был с самого начала назначен на эту роль, тоже предпочел отдать октябрь телевидению). Тогда, после совещания с Евгенией Симоновой и Миндаугасом Карбаускисом, возникла кандидатура Колокольникова. Я видел его в театре, мне нравится его молодость, его энергия, то, что он – человек диковатый, стихийный. – Обычное ли это дело, что актеры отказываются от театральных ролей, даже таких, как Беляев в «Месяце в деревне»? – В Москве это катастрофа. Молодой драматический артист всегда предпочтет прославиться в кино или сериалах и репетиции растягиваются до бесконечности. В итоге мы репетировали практически год… Из сказанного Александром Огаревым следует, что репетиции начались еще при прежнем худруке театра – Сергее Арцибашеве. Режиссер комментирует: – Меня «сосватал» сюда покойный Виталий Яковлевич Вульф. И пьесу тоже выбрал Вульф. Сергей Арцибашев согласился. Спектакль играют без исторических декораций и костюмов. На вопрос, почему, Александр Огарев отвечает: – Тургенев сочинил какое-то место в российской глубинке, где герои уютно изолировались от всяких социальных, политических, временных проблем. Главное, как мне кажется, то, что герои живут чувствами, и чувства их абсолютизированы. Это рождает фантастическую картину: как если бы вместе собралась масса поэтов и они стали бы говорить друг другу комплименты, жить таким счастливым неведением. Пусть все это заводит героев в неведомую степь, из которой они сами будут стремиться выбраться, но это все-таки проверка чувств, воспитание чувств. Мальчик (Беляев) становится мужчиной. Инфантильный человек (Ракитин) принимает серьезное решение. Верочка и Наталья Петровна тоже проходят путь от наивности, легкомыслия – к познанию. Они переживают такие чувства, которые мы больше видим на полотнах старинных мастеров, а не в реальности. За всем этим есть поэзия и я хотел бы преодолеть бытовую традицию, которая характерна для театра имени Маяковского. Марина Тимашева, «Радио Свобода»,

25 октября 2011 В спектакле «Гамлет», который пополнит афишу Краснодарской драмы в начале декабря, заняты музыканты известной в городе рок-группы «Вдруг». Боб (Антон Бабчук) будет играть Розенкранца, Жекан (Евгений Тарасенко) – Гильденстерна. О том, как рокеры стали университетскими товарищами принца датского (именно так Шекспир обозначил Гильденстерна и Розенкранца в списке действующих лиц) Боб-Антон рассказал в интервью нашему сайту. — Антон, у кого родилась идея задействовать Вас и Евгения в спектакле? — Ну не у нас! Не знаю точно, как этот процесс происходил. Знаю только, что нас «из разных источников» посоветовали. Когда у режиссёра возник замысел занять в ролях Розенкранца и Гильденстерна не профессиональных актёров, разные люди независимо друг от друга сказали: «Попробуйте музыкантов из группы «Вдруг». Нас позвали и донесли самую первую туманную идею. Было понятно, что нужно будет спеть один-два номера. Но чем дальше репетиционный процесс идёт, тем становится очевиднее, что в спектакле мы будем больше актёрами, чем музыкантами. — Вы считаете себя театралом? Часто бываете на спектаклях? — В последнее время да. По образованию я телережиссер, учился в Краснодарской Академии Культуры. Наш деканат и деканат факультета актёрского мастерства некоторое время находились в одном кабинете. Поэтому у меня с ранней юности много друзей среди актёров, этот круг мне достаточно близок. В последнее время в театр хожу часто, слежу, в частности, за жизнью Краснодарской драмы. И, в принципе, могу с уверенностью сказать, что театр для меня не пустой звук. — Вы впервые выйдите на сцену в качестве актёра? — В качестве актёра – да. Но в качестве артиста, конечно же, нет. Мы артисты. Сцена для нас – дом родной. Но мы артисты песенного жанра. В театре нужно проявить себя в несколько ином качестве: говорить, а не петь, но… Попробуем!!! — Позволю себе банальный вопрос: что чувствуете накануне выхода на театральные подмостки? — Конечно, мы волнуемся. Мы отдаём себе отчёт, что лезем немножечко не в своё дело. Но нам это интересно! Есть в этом драйв, задор, может быть даже вызов. Комментарии, которые мы слышим на репетициях и от актёров, и от режиссёра… Мы понимаем, что, по меньшей мере, пока у нас получается неплохо. Может быть пока и не блестяще… Над этим мы будем работать – ещё время есть. Наша задача – сделать так, чтобы к премьере всё это вышло на вполне профессиональный уровень; насколько это возможно, за короткое время приобщиться к мастерству драматического актёра. — Перечитывая «Гамлета», всякий раз открываешь для себя что-то новое. Пожалуй, «Гамлет» — один из ключевых текстов о Человеке, созданный за всю историю существования мировой литературы. Что в этой пьесе «зацепило» Вас? — Удивила способность к глубокому самоанализу, которая свойственна Гамлету. Он невероятно глубоко переживал все жизненные перипетии, коллизии и выстраивал свою стратегию поведения. В самом характере Гамлета заложена огромная сила. беседовал Андрей Новашов справка: Рок-группа «Вдруг» образована в 1997 году студентами Академии Культуры (ныне КГУКИ). В 1999-м первый успех в Краснодарском крае группе приносит радио-сингл «Пол Верховен». В 2002 году композиция «Майна» звучит на волнах «Нашего радио», входит в ряд общероссийских сборников и становится вторым заметным хитом группы. В 2005 году группа сочиняет «Гимн Молодежи Кубани» и записывает его в сотрудничестве с рэп-группой «Mary Jane» и Кубанским Казачьим Хором. В 2007 году песня группы «Вдруг» «Сила Духа» входит в саундтрек сериала «Кадетство» и в несколько престижных общероссийских сборников. В 2009-м в России вышла компьютерная игра «Московский водила», в саундтрек которой вошли 14 песен группы «Вдруг». Альбомы: «Вирамайна» (2004) «Мачты» (2008) «Парад планет» (2009) «Кругозор» (2011) Состав: Боб — песни, голос, гитара Жекан — гитара Шуры-Муры — бас Джейсон — клавиши Радж — барабаны

12 октября 2011 В Краснодарском драмтеатре будет поставлена одна из самых известных и одновременно одна из самых неразгаданных пьес в истории мировой драматургии – «Гамлет» В. Шекспира. Пьесу взял в работу главный режиссер театра Александр Огарёв. Премьера состоится в начале декабря. Александр Анатольевич рассказал о своей трактовке «Гамлета»: «Трагедия Шекспира во все времена привлекала внимание зрителей, и каждое новое поколение открывает в ней свои смысловые и эмоциональные пласты. Новый «Гамлет» краснодарского театра исследует феномен нереальной, нечеловеческой любви принца датского к своему отцу. Отец занимает в иерархии духовных ценностей Гамлета место Отца небесного. В жертву этой Любви главный герой готов принести даже отношения с матерью и любимой девушкой (Офелией). Во имя Любви к отцу Гамлет убивает, и, в конце концов, доводит до разрушения всё уютное датское королевство. Главный вопрос спектакля: стоит ли одна, пусть самая достойная, идея принесения ей в жертву множества простых радостей жизни? Краснодарский «Гамлет» — это увлекательное путешествие по жанрам. Современными средствами раскрывается эволюция героя. Зритель увидит фантастические полёты Гамлета, водные сны Офелии, остроумные диалоги, весёлые сцены «домашнего театра», путешествие в загробный мир, сцены боёв и многое другое. Диапазон жанров: от мистики и фарса до поэтической лирики и высокой трагедии. В спектакле принимает участие рок-группа «Вдруг».

09 октября 2011 Режиссёр из Швеции Александр Нордштрем ставит в Краснодарском театре драмы пьесу Эдуардо де Филиппо «Призраки». Спектакль будет называться «Ох, уж эти приведения!». Нордштрем совмещает постановочную и педагогическую деятельность. Он преподает режиссуру в Высшей театральной школе города Мальмё, а так же является приглашенным профессором кафедры актерского мастерства в Гетеборгском театральном институте. Как режиссёр он сотрудничает с драматическими и музыкальными театрами Швеции, Финляндии, Латвии, Дании, Швейцарии, Италии, России, Белоруссии. В Краснодаре ставит впервые. — Александр Эдвинович, как вы оказались в Краснодарском драмтеатре? — Во-первых, в Краснодаре серьёзный академический драматический театр, о нем я наслышан; здесь работали мои друзья-коллеги. Во-вторых, я получил приглашение от директора театра Татьяны Кривошеевой поставить то, что я хочу. Как раз в то время я находился в Неаполе, потому идея поставить в Краснодаре – тоже южном городе – пьесу неаполитанского драматурга Эдуардо де Филиппо показалась любопытной. Мы долго обсуждали, какую пьесу этого автора ставить. Выбор пал на «Привидения», и я с радостью приехал работать. — В этом спектакле вы выступаете и в качестве сценографа. Будете воссоздавать на сцене Неаполь? — Воссоздать в Краснодаре Неаполь, даже на сцене, вряд ли получится. Но поскольку я жил в Неаполе и хорошо знаю город, то, почему бы это не использовать? К тому же, это город совершенно уникальный, очень отличный от других итальянских городов. И не только своей архитектурой, а именно антично-балаганной атмосферой, которая, как утверждал еще Муратов, сохранилась именно в Неаполе. Неаполитанцы исключительно безалаберны и как-то особо театрально-эксцентричны в быту. Они воистину потомки Пульчинеллы, именно этот персонаж комедии дель арте вобрал в себя черты неаполитанцев, и, общаясь с ними, ощущаешь себя втянутым в некое безумное театральное действо. Пульчинелла – это не только сувенир для туристов, это образ жизни неаполитанца, так же как и боготворимый ими комик Тото. Фотографии и статуэтки этого обожаемого итальянского комедийного актера есть почти в каждом доме, в ресторанах и кафе его портреты висят рядом с изображениями святых. Это обожествление Тото – тоже исключительно неаполитанский феномен. И Эдуардо де Филиппо – для них фигура культовая и очень любимая. Он до мозга костей неаполитанец. Воспроизвести на сцене образ Неаполя помогает сам де Филиппо. Скажем, в пьесе есть замечательная сцена – рассказ о том, как готовят и пьют кофе в Неаполе. Итальянцы знатоки в этом вопросе, но истинные неаполитанцы варят кофе в особом кофейнике, который не часто встретишь нынче в продаже. Я отправился в квартал, где в лавках старьевщиков можно отыскать всякую кухонную утварь. В одной из них я разговорился с солидным продавцом, который, узнав о том, что я режиссер и ставлю Эдуардо де Филиппо по-русски, к тому же в южном Краснодаре, повел меня в подземелье. Неаполь знаменит своими катакомбами, в которых укрывались гонимые римлянами христиане. Город буквально испещрен множеством подземных ходов. Но этот неаполитанец повел меня не в музей, а на склад театрального реквизита, который расположен на нескольких уровнях подземных катакомб. Зрелище – незабываемое. Там, он извлек вожделенный кофейник, который, к моему изумлению, использовался в спектакле, который ставил сам Эдуардо в неаполитанском театре Сан Фердинандо в 50-е годы. Мы сторговались о цене, я привёз кофейник в Краснодар. И актеры довольно быстро освоили способ заварки кофе по-неаполитански. — Эдуардо де Филиппо близок к неореалистам и, в частности, к Феллини… — Неореализм объединял этих двух людей на раннем этапе творчества. Но, в принципе, в пьесах де Филиппе заметно влияние прежде всего Пиранделло. В частности, в «Призраках» есть перекличка с пьесой Пиранделло «Шесть персонажей в поисках автора». А с Феллини помимо неореалистических корней его объединяет ещё, на мой взгляд, и любовь к своим персонажам. У Эдуардо нет отрицательных героев. Так же, как и у Феллини, у него все персонажи так или иначе вызывают сочувствие. Одни режиссёры считают себя «слугами драматурга». Для других пьеса — прежде всего повод для самовыражения, собственного художественного высказывания. — Если перевести вопрос из теоретической плоскости в практическую — не касательно меня лично, а касательно этой темы — то можно сколько угодно и как угодно красиво говорить о «попадании» или «непопадании» в автора. Но, на мой взгляд, всё, что талантливо, имеет право на жизнь. И если спектакль талантливый, значит, режиссёр всё равно шёл от автора, даже если сам это не вполне осознавал. В этом, собственно, одна из составляющих таланта. В фундаменте текст. Дальше у режиссёра рождается его собственный спектакль. Другой момент: в спектакле что-то может не совпадать с видением критика или зрителя, можно спектакль и не принимать, но, тем не менее, осознавать его талантливость. Но всё талантливое редко. Нет ничего плохого в самовыражении, но если самовыражается посредственность – это беда. — Вы работали в разных странах. Когда-то считалось, что российское драматическое искусство лучшее в мире. Так ли это на сегодняшний день? — Мое мнение по этому вопросу очень субъективно. Когда я начал работать за пределами России лет 25 тому назад, было очевидно, что русская театральная школа сильнее и интереснее европейской. За прошедшие годы не то чтобы западный театр стал лучше, просто русская театральная школа – именно как школа – растратила тот запас, который создавался ещё Станиславским и его сподвижниками. Ушли такие мастера, как Товстоногов, Эфрос, Кнебель, Плучек. Им на смену пришли режиссёры одарённые, но, к сожалению, не в той же степени наделённые педагогическим талантом. Уровень школы и актёрской, и режиссёрской заметно упал. Спектакли молодых режиссёров – выпускников театральных вузов – это, зачастую, большое разочарование. За редкими исключениями, которые, безусловно, есть. Не исключаю, что это возрастное брюзжание. Сам себя оправдываю тем, что когда вижу талантливые работы – я не могу не признать их ценности. Пусть это недостаточно профессионально, но в этом есть искусство… И дело не в том, что нет талантливых людей. Нет школы. Они, бедные, приходя в театр занимаются прежде всего «самовыражением», причем достаточно бессмысленным. В своё время мы занимались таким «самовыражением» еще в институте, за что нас сильно «били». Нас прежде всего учили не самовыражению, а  режиссуре. Что касается западной театральной школы. Во-первых, многие российские театральные деятели старой школы уехали преподавать на Запад. И влияние русской театральной школы, безусловно, сказывается на общем уровне западной сценической культуры. Во-вторых… скажем так: западный театр тоже на месте не стоит. Мои студенты поражают работами, которые, на мой взгляд, в России практически невозможны. Они самостоятельно мыслят, охотно и очень старательно учатся, и порой сами открывают законы мастерства. И они очень благодарны, когда помогаешь им советами и делишься знаниями. Это приносит свои плоды. На фестивале «Терра инкогнита», который проходил в Петербурге в июне этого года, студенты из Мальмё показали свой спектакль «Диалог и опровержение», который стал подлинным открытием. — В чём, на ваш взгляд, наиболее серьёзные проблемы провинциальных российских театров? — Основная проблема – отсутствие хороших спектаклей. Есть приличный директорский и замечательный актёрский корпус… А вот дальше – проблема. Все дискуссии о кризисе Театра очень легко разрешаемы. Всё сваливают на власть, на чиновников, на что-то ещё. Между тем, самый главный вопрос: «Где хорошие спектакли?». — Спрошу из сугубо обывательского интереса: как вы из ленинградца превратились в шведа? — Я по отцу швед. Потому мой переезд в Швецию можно считать возвращением на историческую родину. К тому же так сложилось, что свой дипломный спектакль я ставил по-фински в Национальном Финском театре города Петрозаводска, а затем, с 1983 года работал в этом театре очередным режиссером и, соответственно, учил финский язык. Потом поставил несколько спектаклей в Турку в Шведском театре, в котором работали финляндские шведы. А в 1991 году после «Фрекен Жюли» в Новосибирском «Красном факеле», который я ставил в сотрудничестве с главным сценографом Шведского театра из Хельсинки Эгилом Фальком, он поддержал мою идею поработать в Швеции. И когда он стал главным сценогорафом Рикстеатра – крупнейшего театра страны – он пригласил меня в этот театр. В Рикстеатре я поставил несколько спектаклей, и продолжаю сотрудничать с ним и по сей день. Вид на жительство мне дали в силу паспортных данных. Я приехал в Стокгольм, а уже через два месяца полетел в Новосибирск ставить спектакли. И продолжаю параллельно работать и в Швеции, и в России, а, в последнее время, все чаще в Италии. В Швеции вначале работал по-английски, там мой финский был ни к чему. Многие удивлялись, как это так – швед, а языка не знает. Но шведским я овладел довольно быстро, и забавно, что по акценту спрашивают: «Вы из Финляндии?» Но настоящая любовь – это итальянский. Вначале мы семьей просто каждый год ездили в Италию. Потом я начал учить язык, поставил несколько спектаклей на юге страны, а потом оказался на Капри. Там есть своеобразный шведский Дом творчества на вилле Сан-Микеле, когда-то принадлежавшей врачу и писателю Акселю Мунте. Я начал сотрудничество с каприйским театром Арианис, потом два года подряд мы проводили там своеобразный театральный фестиваль. А в январе этого года по инициативе муниципалитета Капри мы открыли там театральную школу, в которой я являюсь художественным руководителем. И, кроме того, хотя это уже совсем из разряда невероятного, меня пригласили в Неаполитанский университет преподавать шведский язык. И мы с итальянскими студентами занимались переводами и постановками  современной шведской драматургии. Кстати, сейчас проявила интерес к сотрудничеству и кафедра славянских языков этого университета. С ними мы планируем переводить и ставить «Героя нашего времени» Лермонтова. — Где себя чувствуете иностранцем? — В Швеции иногда чувствую себя русским, в России, порой — шведом. А в других странах ощущаю себя просто европейским человеком. Справка: Режиссёр Александр Нордштрем окончил ЛГИТМиК в 1983 году по классу режиссуры (курс Г.А. Товстоногова). Среди постановок Нордштрема: «Ночь трибад» П.У.Энквиста (Академический театр им. Пушкина); «Король Густав Васа» А.Стриндберга (Малый театр, Москва); «Чайка» А.П.Чехова (Муниципальный театр г. Борос, Швеция); «Вишневый садик» А.Слаповского (Городской театр г.Стокгольма, Швеция); «Преступление и наказание» Ф.М. Достоевского (Шведский театр г.Турку, Финляндия), «Севильский цирюльник» Бомарше (Муниципальный театр г.Лече, Италия), «Остров Сахалин» А.П.Чехова, «Слуга двух господ» К.Гольдони (Национальный Академический театр им. Янки Купалы, Минск), оперы «Джанни Скикки» Дж.Пуччини, «Сельская честь» Масканьи (Национальный Академический Большой театр Республики Беларусь, Минск).

05 октября 2011 Ярослава Пулинович: «В двадцать пять нужно уже что-то доказать миру!» «Наташина мечта» — так называется спектакль, который пополнил афишу Краснодарского театра. Два своих текста поставила Ярослава Пулинович. Её пьесы идут более чем в тридцати театрах России, а также в Англии и США. Выпускница Екатеринбургского Театрального Института (Мастер – известный драматург и режиссёр Николай Коляда), Пулинович в свои двадцать четыре года успела стать лауреатом премий «Дебют», «Евразия», «Новая пьеса». Накануне премьеры Ярослава рассказала, почему занялась режиссурой, и ответила на другие вопросы. — Проведите краткую просветительскую работу. Что такое современная драматургия и для кого она предназначена? — Под определение «современная драматургия» попадает всё,  что написано нашими современниками… — Разумеется. Но не все авторы, которые живут в одно время с нами, пишут современно… — Да. Поэтому есть волна, которая называется Новая драма. Это некое течение литературное и драматургическое, объединяющее людей, которые пишут о «здесь и сейчас». О сегодняшней жизни, сегодняшнем времени, сегодняшнем поколении, об острых современных вопросах. — Раньше сорокалетний режиссёр считался мальчиком. И драматурги становились известными, как правило, уже в зрелом возрасте. Сегодня всем лидерам Новой драмы чуть за тридцать, а кому-то и меньше тридцати. Но есть и оборотная сторона: как правило, они быстро зажигаются, но и «прогорают» очень быстро, как это случилось, например, с Гришковцом. С чем это связано? — Во-первых, никто не знает, что будет с Гришковцом дальше. У всех бывает творческий кризис. Возможно, он ещё переродится и такое напишет!.. А почему молодые… Мне кажется, жизнь стала быстрее. Люди, с одной стороны, очень инфантильны. С другой стороны, в двадцать пять нужно уже что-то доказать миру. Течение жизни стало быстрее. Более густым, насыщенным. Поэтому… и умирают люди в пятьдесят-шестьдесят лет. — «Рок-н-ролл мёртв». Но Новая драма в какой-то степени стала продолжением Русского Рока. — Отчасти да. Юрий Клавдиев как-то сказал, что современные драматурги – это люди, которые в детстве мечтали стать рок-музыкантами. Наверное, в Новой драме есть что-то от рок-течения 60-х в Америке и 80-х в нашей стране. Просто любое течение – художественное, музыкальное или литературное — становясь коммерческим, себя изживает. Рок-музыку в какой-то момент приручили. Молодые люди всё больше и больше ищут каких-то новых средств самовыражения. Мне кажется, поскольку на театр всем плевать – и властям и правительству – и театр как бы на обочине, то это прекрасное место для выражения своих идей, мыслей и диалога с людьми. — Раз речь зашла о музыке: что вы слушаете? Назовите Ваши любимые группы. — У меня бурное неформальное прошлое. Мы хипповали с подружками, слушали Моррисона, Джоплин, Янку Дягилеву, Егора Летова, Башлачёва. Сейчас я не могу сказать, что их не слушаю, но больше люблю Майка Наймана… По-прежнему слушаю Башлачёва, «Кино», Земфиру. Очень нравятся «АукцЫон», БГ. — Нет ощущения, что вслед за рок-н-роллом приручат и Новую драму? — Никакого приручения нет. Существует вопрос внутреннего выбора. Просто… За что-то платят большие деньги, а за что-то очень маленькие или не платят вообще. Если человек может зарабатывать сериалами на жизнь и параллельно выдавать мощные сильные тексты – почему нет? Продюсеры сериалов не пытаются никого приручить. Они просто ищут авторов, которые бы им выдавали это «мыло» бесконечное. Распространена такая ситуация: пишущий человек уходит в сериалы и пропадает там навсегда. Он думает: «Я буду писать днём для денег, а ночью для себя». Но так не получается. Он выматывается, у него заштамповывается взгляд, он начинает мыслить какими-то абсолютными конструкциями. Тут есть опасность большая для автора. Что касается приручения, те же ОБЭРИУТы зарабатывали только написанием детской поэзии. Такова жизнь. — Но это были очень качественные тексты. — В общем, да. Но есть и авторы, которые пишут очень качественные сериалы. Их не так много, но они есть. — С чем связан Ваш приход в режиссуру? Я не очень насмотренный человек, но, по моим наблюдениям, например, театральные критики, художники и кинорежиссёры ставят спектакли не лучшим образом. — Я согласна. Но этот спектакль для меня — некий эксперимент. Это второй спектакль, который я ставлю. Первый был в родном Екатеринбурге. Пьеса Анны Батуриной «Тарантул – мастер каллиграфии». В ролях студенты театрального института.  Получилось что-то довольно среднее. Что касается «Наташиной мечты» — спектакль вышел из Лаборатории современной драматургии, которая проходила в Краснодарском драмтеатре в августе. Мои пьесы довольно часто участвовали в таких Лабораториях. Я на них никогда не была, приезжали режиссёры. Получилась так, что режиссёр, которая должна была ставить «Наташину мечту» на Лаборатории в Краснодаре, по разным причинам не смогла этого сделать. Руководитель Лаборатории Олег Лоевский позвонил мне и предложил самой поехать и ставить. Вероятно, такой эксперимент они придумали совместно с директором театра. Мы выпустились. Нервничали больше, чем другие участники Лаборатории. Эскиз спектакля, наверное, удался, потому что много зрителей проголосовали за то, чтобы оставить его в репертуаре. Директор Краснодарской драмы Татьяна Германовна Кривошеева пригласила меня приехать и доработать этот спектакль. Мне самой перед премьерой довольно страшно. Я не уверена, что буду заниматься режиссурой в дальнейшем. Но как эксперимент это интересно. Я очень рада, что девчонки, которые заняты в этом спектакле (Виктория Лукина и Алла Засыпкина – А. Н.), такие замечательные. Совершенная находка! беседовал Андрей Новашов

30 сентября 2011 Накануне своего юбилея заслуженный деятель искусств России Михаил Владимирович Нагли встретился со студентами высших и средних учебных заведений г. Краснодара. Встреча прошла в библиотеке имени Ивана Варравы. Ребята познакомились с творчеством юбиляра, стали свидетелями стиходуэлей Михаила Владимировича с коллегами и друзьями в одном лице — народными артистами России Алиной Кузнецовой и Анатолием Горгулем.

26 сентября 2011 «Задача театра научить каждого зрителя быть немного поэтом» В театральной жизни края событие — появление творческого лидера в Краснодарском академическом театре драмы. Когда-то вы выходили на сцену Краснодарского театра драмы как молодой начинающий антер… Когда я пришел из армии, в Ярославле мы встретились с режиссером Бухариным, и он позвал меня в Краснодар. Здесь собралась сильная плеяда старших мастеров и группа интересных молодых актеров, среди которых было приятно находиться, мы интенсивно, весело жили. Я играл главную роль в спектакле по пьесе Виктора Розова «Кабанчик», как теперь понимаю, сильно переигрывал, старался… Вы уехали много лет назад и вот теперь вернулись. Почему? Когда поступило предложение возглавить Краснодарский театр драмы, я подумал, что интересно будет развить себя таким вот новым приложением сил, тем более здесь мои корни, сочинская прописка до сих пор. Какое впечатление произвел на вас театр? Я вижу, что есть спектакли старые, которые уже с трудом поддаются просмотру, в то же время видно и мастерство, и желание людей работать, есть люди, желающие делать театр. Основная проблема — слабое финансирование. Но если мы хотим вывести театр в высшую лигу, нужно вкладывать и средства. Тогда и режиссеры хорошие поедут сюда, и на фестивали будут приглашать, и создастся слава такого места, в котором происходят какие-то события и бурлит жизнь. Расскажите о планах театра. Начинаем с Шекспира. Когда я увидел в спектакле «Нон Долет» артиста Андрея Харенко, понял, что можно сделать с ним «Гамлета». Есть и Клавдий хороший — замечательный Александр Катунов, и Гертруда, и Полоний, то есть пьеса расходится на труппу, так что мы уже репетируем. Офелию играет Екатерина Крыжановская, которую я увез в Краснодар из Омского драматического театра, где она была на ведущих ролях. На роли Розенкранца и Гильденстерна приглашены музыканты из известной в городе группы «Вдруг». Надеюсь, из этого эксперимента что-то получится. И еще потому, что Шекспир — обязательная программа. Через менее великую пьесу труднее предложить свой взгляд на театр. Затем Александр Нордштрем будет ставить «Призраки» Эдуардо де Филиппо. Потом я хочу пригласить молодого хореографа Наталью Шурганову. Она поставит пластический спектакль на молодую часть труппы, который будет посвящен отношениям мужчины и женщины. Наверное, возьмем пьесу Нины Садур «Панночка» по мотивам повести Н. В. Гоголя «Вий». Там есть и комедийное начало, и мистическое, хочется сделать что-то масштабно-красочное. Есть план поставить хорошую современную пьесу на малой сцене. Сам я постараюсь постаить на малой сцене спектакль по пьесе современного шведско¬го классика Ларса Нурена «Война». Ларе Нурен считается новым шведским Стриндбергом, у него шикарный слог, он лаконичный, емкий, умный и очень точный. И по окончании сезона хотелось бы поставить пьесу, где, кстати, есть возможность занять старшую часть труппы. Это «Кошка на раскаленной крыше» Теннесси Уильямса. Назовите авторов, которые, на ваш взгляд, обязательно должны присутствовать в репертуаре любого театра. Есть ряд имен, к которым каждый режиссер и каждый театр периодически возвращаются. Шекспир, Чехов, Пушкин, Достоевский, Ибсен, Леонид Андреев… Ставить не для того, чтобы поставить это, а для того, чтобы по-новому открыть и осмыслить в связи с новым временем, с новым ощущением. Каждое поколение по-разному ощущает автора: сегодня автор зовет на борьбу, завтра рассказывает о человеческих чувствах. Например, Гамлет Акимова — толстяк, который ни на что не способен, а Гамлет Лоуренса Оливье — романтический супергерой. А что для вас важно в выборе пьесы? Важно, чтобы это отзывалось, чтобы возникала игра с материалом. Есть тема, и если она дает какой-то драйв, я ее слышу и начинаю этим жить и развивать эту тему, она разрастается и дает какие-то плоды. Какая тема ваша? Моя тема видоизменяется. Из примитивно-юношеских, любовно-мечтательных романтических тематик в более сложные, глубокие размышления. Например, «Гамлет» — размышление о любви, о том, как один человек до такой степени полюбил отца, что можно сравнить эту любовь с любовью к Отцу небесному. Ощущая идеальность, единственность своей любви, он требует от других такой же любви, и в результате любовь приводит к большим жертвам, большому, громадному разрушению. Мы часто становимся очень эгоистичными, поклоняясь какому-то единственному чувству, которое нам кажется справедливым, и не замечаем, когда эта справедливость переходит границы. И вдруг то, что вначале было светлым и правильным, превращается в свою противоположность. И такие перевороты меня очень интересуют. Расскажите, кто для вас является авторитетом. Чьи спектакли вы высоко оцениваете? Поскольку я учился у Анатолия Васильева, то и считаю его самым знающим и авторитетным человеком в российском театре. Очень уважаю Петра Фоменко. В зарубежном театре интересны американский режиссер Роберт Уилсон, швейцарский режиссер Кристоф Марталер. Громадное уважение вызывает у меня чешский балетмейстер Иржи Килиан, который руководит амстердамским балетом. Приступая к работе, я всегда показываю актерам его балет «Белое и черное» как пример игрового театра. Есть фигуры, которые вызывают эстетический шок, после которого как-то ориентируешься, куда идти дальше, как жить, как ставить… В чем, на ваш взгляд, состоит задача театра по отношению к зрителю? Поскольку театр — область эстетики, думаю, что основная задача — приучить любить прекрасное. Через картинку, через визуальный, музыкальный образ нам открывается что-то, что бывает трудно объяснить, мы просто восхищаемся этим и понимаем, что это необыкновенно, ну вот как цветок — трудно объяснить, да? Так и задача театра — научить каждого зрителя быть немножечко поэтом, увести от материальных забот и задач, рассказать, что есть область, где необязательно быть деловым и хватким и где можно расслабиться и просто созерцать и быть довольным душой. А по отношению к режиссеру и актеру чем спектакль должен быть? Всегда путешествием. Если есть открытие, если есть неожиданные встречи, в том числе и человеческие, на пути, который предлагает автор, тогда это не зря проведенное время. Актер для вас соавтор или исполнитель вашего замысла? Если актер не хочет становиться соавтором, то будет исполнителем. Но мне нравится ситуация, когда мы, разобравшись предварительно в материале, становимся соавторами, потому что соавторство обогащает спектакль, он становится разнообразным, многосердечным, в нем есть разные энергии и разные жизни. Что для вас главное в актере? Чтобы он не становился самодовольным. Иногда актер начинает себя очень любить, внутри профессии, и ему кажется, что другие тоже обязаны его любить. А есть актеры, которые любят саму профессию, изучают ее, и если идти радостями профессии, снова и снова открывать ее, находятся попутчики, которым тоже это интересно, и вот тогда складывается театр. Хорошо, когда актер не теряет чувства реальности. Ничего мы не знаем! Каждый раз, приступая к пьесе, все, что знали, умели, в связи с новым автором куда-то исчезает. Надо заново проделывать работу, открывать, открывать и открывать. Справка: Александр Огарев окончил РАТИ- ГИТИС, курс Анатолия Васильева, в 1993 году по специальности «режиссер драматического театра». В театре «Школа драматического искусства» сначала был стажером, а с 1995 года режиссер- постановщик. Участвовал с театром в фестивалях во Франции, Японии, Швеции, Германии, Греции, преподавал метод Анатолия Васильева иностранным стажерам. С 2001 года начал ставить самостоятельно. Ставил в Москве, Владимире, Белгороде, Хорватии, лауреат национальной театральной премии «Золотая маска» за оперу «Гвидон» в театре «Школа драматического искусства».

22 сентября 2011 Эта история смешна по форме и драматично по содержанию. В спектакле есть таинственный неаполитанский дом, лунный свет, любовь и ненависть, вера и отчаяние, чёрный юмор, молнии и раскаты грома. И, разумеется, привидения… Говорят, на самом деле их не бывает. Но люди их себе придумывают. Как выразился персонаж пьесы, «мы сами и есть привидения».  В неустроенном и непредсказуемом мире сложно жить без иллюзий. Из пьесы: «Мы скрываем наши мысли и чувства. Даже на минуту страшно открыть сердце, полное горечи, тоски и нежности… Сердце наглухо закрыто, так крепко заперто – не открыть. Никаким ключом. Вдруг понимаешь, что и ключ потерян давно. Мы потеряли наш ключ, Мари». О драматурге Написавший эту пьесу драматург Эдуардо де Филиппо (1900 — 1984) — последний великий актёр-автор неополитанского театра. Он, его сестра и его брат  были внебрачными детьми знаменитого неаполитанского актера Эдуардо Скарпетты. На сцену будующий драматург впервые вышел в четыре года. Его детство, отрочество и юность прошли в театре его отца, где он учился мастерству актерской игры, умению сочинять сценарии и пьесы, а также навыкам руководства труппой. Театр стал его жизнью и, по существу, единственной школой. Регулярного законченного образования он не получил. Вместе с братом и сестрой много работал в кинотеатрах перед началом сеансов, а также в варьете, которое в те годы было очень популярно. Много сочинял для варьете, в основном одноактные пьесы. Его братья и сестра мечтали о создании своего театра, который они смогли открыть лишь в конце 1931. Они назвали его «Юмористический театр Де Филиппо»; художественным руководителем стал Эдуардо. Основу репертуара театра составляли пьесы Эдуардо. Театр просуществовал 13 лет. В марте 1945 в Неаполе открылся «Театр Эдуардо» – на оперной сцене театра Сан Карло была дана премьера его пьесы Неаполь-миллионер, в которой главные роли исполнили автор и его сестра. Спектакль имел огромный успех. С этой пьесы началась большая драматургия Филиппо и его театр. В 1954 купил в Неаполе театр Сан Фердинандо, разрушенный во время войны, и на собственные средства восстановил его. Здесь стала работать его вторая труппа «Скарпеттиана», где исполнялись комедии Э.Скарпетты и других неаполитанских драматургов. Его театр складывался под воздействием искусства психологической правды, с одной стороны, и традиции неаполитанского диалектального театра, с другой. Не избежал он и влияния Луиджи Пиранделло. Не будучи сам неореалистом, Эдуардо Де Филиппо был очень близок кругу идей этого направления. «Театр – это жизнь, инсценировка реальной жизни», – так определял он главную особенность своего искусства, суть которого в тесной связи с жизнью народа, с повседневным бытом неполитанцев. Вместе с тем (и именно этим он отличался от художников-неореалистов) его театр развивался в русле традиции неаполитанской сцены, уходящей корнями в комедию масок. Как художник он уникален тем, что является непосредственным продолжателем сценической культуры итальянской народной комедии, жизнь которой на юге страны, в Неаполе, не прерывалась никогда. Все его драматические сочинения посвящены родному Неаполю, все его герои – обыкновенные неаполитанцы: простые горожане, скромые служащие, мелкие буржуа, безработные или актеры, кочующие со своей труппой… Его пьесы показывают течение будничной жизни, воссозданнй с такой достоверностью, словно это сама жизнь. Вместе с тем его пьесы сценичны, их отличает острота сюжетных построений, в них живет народный дух площадного театра с актерскими импровизациями, буффонадой, лацци. О режиссере Режиссёр спектакля Александр Нордштрем (Швеция) окончил ЛГИТМиК в 1983 году по классу режиссуры (курс Г.А. Товстоногова). Работал в театрах России, Белорусси, Швеции, Финляндии, Латвии, Дании, Швейцарии и Италии. Среди постановок Нордштрема: «Ночь трибад» П.У.Энквиста (Академический театр им. Пушкина); «Король Густав Васа» А.Стриндберга (Малый театр, Москва); «Чайка» А.П.Чехова (Муниципальный театр г. Бороса , Швеция); «Вишневый садик» А.Слаповского (Городской театр г.Стокгольма, Швеция); «Преступление и наказание» Ф.М. Достоевского (Шведский театр г.Турку, Финляндия), «Севильский цирюльник» Бомарше (Муниципальный театр г.Лече, Италия), «Остров Сахалин» А.П.Чехова, «Слуга двух господ» К.Гольдони (Национальный Академический театр им. Янки Купалы, Минск), оперы «Джанни Скикки» Дж.Пуччини, «Сельская честь» Масканьи (Национальный Академический Большой театр Республики Беларусь, Минск). В течение многих лет занимается театральной педагогической деятельностью. В настоящее время является приглашенным профессором кафедры актерского мастерства в Гетеборгском театральном институте.

09 сентября 2011 Уважаемые зрители, представляем Вашему вниманию фотоотчет с репетитции фантастической побрехеньки «Звезда казака». Режиссер-постановщик Геннадий Николаев! Премьера спектакля состоится 13-го сентября!

08 сентября 2011 Сегодня день рождения празднует заслуженный артист России Александр Катунов! От всего сердца желаем нашему искренне любимому, невероятно талантливому Человеку и Артисту крепкого здоровья, отличного настроения, тепла и заботы от близких и родных людей. С днем рождения!

02 сентября 2011 Третьего сентября свой 50-летний юбилей празднует главный режиссер театра Александр Огарев. В этот замечательный день Александру Анатольевичу хочется пожелать заряда бодрости, море положительных эмоций, прекрасного настроения, творческого вдохновения и благополучия в семейной жизни! С уважением, коллектив театра драмы

28 июля 2011 С 17 по 24 августа в Краснодарском театре драмы будет  работать «Лаборатория современной драматургии». Целью этого проекта является, с одной стороны, знакомство краснодарских зрителей с новыми тенденциями современной драматургии, с другой — знакомство с молодыми режиссерами России. Актуальная драматургия всегда была движущей силой театра, источником его обновления. «Новая драма» — это движение, которое ищет, создает свой язык. Театр новой пьесы – это не только поиск новых ответов, но и новых вопросов. Механизм реализации проекта  заключается в следующем: четыре  режиссёра из разных городов страны за три дня на незнакомой сцене и с незнакомой труппой должны поставить спектакль-эскиз.  Точнее сказать, подготовить материал, который не стыдно будет представить на суд зрителей, не готовых, в отличие от профессионалов, делать скидку ни на короткие сроки, ни на условности «эскизного» проекта. Основной инструмент лабораторной работы – стресс. Как говорит руководитель проекта известный театральный критик, эксперт Национальной театральной премии «Золотая Маска» Олег Семенович Лоевский: «Такие «читки» прежде всего, полезны для труппы репертуарного театра — «выбитые из колеи» актеры в эскизных спектаклях играют, «не успев распределить штампы».  Им некогда стараться, пыжиться, и тем самым они освобождаются, раскрепощаются. Это уже совершенно другое существование на сцене, другой энергетический обмен со зрителями». В итоге, такая работа, по мнению критика, дает возможность поднять творческую планку в театре. Всего за три дня постановка достигает той стадии, какую в живописи принято называть эскизом. Не картина, но уже видно – что получится. Не спектакль, но опытный глаз уже может увидеть все его основополагающие концептуальные и конструктивные признаки. Актеры еще держат в руках текст, но уже пытаются следовать наброскам мизансцен. По последним уточнённым данным эскизы в Краснодаре будут «рисовать»: Гороховская Екатерина Владимировна Санкт-Петербург ) — российская актриса театра и кино, театральный режиссёр, педагог, театральный критик, занимается озвучением мультфильмов: ее голосом говорят любимые детские герои — Лунтик, Забава, Аленушка. Покажет зрителям «наброски» пьесы «В тени виноградника» по мотивам рассказа Б.Зингера. Вытоптов Кирилл Анатольевич Челябинск ) — театральный актёр и режиссёр. Лауреат Международных конкурсов студенческих отрывков, Международной театральной универсиады. Среди режиссёрских работ постановки в ГИТИСе, «Современнике», Театре-студии «Манекен».На суд жюри и зрителей представит историю по произведению О. Богаева «Down way» Ярослава Александровна Пулинович Екатеринбург ) Драматург, окончила Екатеринбургский театральный институт (курс Николая Коляды). Стипендиат Союза театральных деятелей РФ. В 2008-м стала лауреатом премии «Дебют» с пьесой «Наташина мечта», которую сейчас активно ставят не только в России, но и по всему миру. Эту пьесу Пулинович и поставит на сцене камерного зала театра. Четвёртым участником лаборатории стал главный режиссёр Краснодарского театра драмы Александр Анатольевич Огарёв (Москва). С 1997 года – режиссёр-постановщик театра «Школа драматического искусства», одновременно занят в спектаклях театра как актёр. Также ставил спектакли в РАМТе, Театре им. Пушкина, Московском новом драматическом театре, театре «Арт Партнер», «Современнике», на площадках театров Хорватии и Белгорода. В рамках лаборатории будет работать над пьесой Алекса ван Вармердам «Ужасная мать» (перевод И. Трофимовой). После каждого показа будет проходить  обсуждение увиденного. Зрители смогут высказать собственное мнение о спектакле-эскизе, пообщаться с руководителем лаборатории, а также выслушать режиссёрскую версию представленных пьес. Стоит заранее предупредить тех, кто собрался на спектакли лаборатории — почти все они не для слишком юной публики. Конечно, читатель новостей вряд ли будет чем-то шокирован, хотя некоторые авторы старались изо всех сил, но и спектакль, и последующее обсуждение — это именно редкий повод для взрослых людей, «отправив детей спать», поговорить о важных вещах. Новые тенденции современной драматургии, поиск новых ответов, возникновение новых вопросов, различные театральные формы… Что ждёт зрителя в результате – спокойно протекающая реакция компонентов или взрыв? Это можно будет увидеть только в августе.

08 июля 2011 С 17 августа начинает свою работу творческая лаборатория Лоевского, участниками которой станут молодые режиссёры России. ЛОЕВСКИЙ ОЛЕГ СЕМЁНОВИЧ — член президиума Российского центра АССИТЕЖ, театральный критик, эксперт Национальной театральной премии «Золотая Маска», лауреат Международной театральной премии им. К.С.Станиславского и  Международной премии им. С.П.Дягилева. Олег Семенович работает заместителем директора по творческим вопросам Екатеринбургского театра юного зрителя, является основателем и художественным директором фестиваля «Реальный театр», а также художественным руководителем и организатором Всероссийской творческой мастерской «Молодая режиссура и профессиональный театр» и семинаров по современной европейской драматургии. Киносценарист, драматург, автор пьес и инсценировок для театров России. Участники творческой лаборатории: НЕВЕЖИНА ЕЛЕНА АЛЕКСАНДРОВНА, российский режиссер. Окончила исторический факультет МГУ, затем режиссерский факультет РАТИ (бывший ГИТИС, курс П.Н.Фоменко, 1998). Дипломный спектакль «Холодно или горячо, или Идея господина Дома» Ф.Кроммелинка (1997). После постановки пьесы Кроммелинка Невежина стала лауреатом премии «Московские дебюты» (1998) в номинации «Дебют режиссера». С 1998г. работает в театре «Сатирикон», где дебютировала спектаклем « Жак и его господин» М.Кундеры по роману Д.Дидро, заняв в главных ролях К.Райкина и В.Стеклова. Эта постановка явилась номинантом российской национальной театральной премии «Золотая Маска» (1999); за нее же Невежина получила премию Фонда театра О.Табакова и стала лауреатом ежемесячной премии Фонда Станиславского «Московская премьера» (1998). Дальнейшие постановки в театре «Сатирикон» – «Слуги и снег»  А.Мёрдок (2000) и моноспектакль К.Райкина «Контрабас»  П.Зюскинда (2000). Среди работ Невежиной – ряд постановок в Рижском театре Русской драмы и в Омском драматическом театре. С 2000г. преподает в Школе-студии МХАТ на курсе Каменьковича. ВЫТОПТОВ КИРИЛЛ АНАТОЛЬЕВИЧ, театральный актёр и режиссёр. В 2006 г. окончил культурологический факультет Челябинской государственной Академии культуры и искусств. В 2010г. — режиссёрский факультет РАТИ-ГИТИС (мастерская Олега Кудряшова) Театральные работы: «LIQUIDация», «Антидот», «Мистерион» (спектакль Кирилла Серебренникова), «Rimbaud» (Театр-студия «Манекен»), «Муки ада», Концерт ансамблевого пения «Музыка на третьем этаже», «Станционный смотритель» (ГИТИС). Режиссёрские работы: «Три сестры»(Театр-студия «Манекен»), «Женитьба», «Гоголь.Фантазии», «Станционный смотритель», «Лес» (ГИТИС), «Курт звереет», «Учитель словесности» («Современник») Призы и награды: Международная театральная универсиада «UniFesT», 2006 г. — лучший режиссёр, лучший спектакль («Три сестры»).Третий международный конкурс «Режиссёр и пространство» — лауреат «За движение к сути». 2008г. — первый международный конкурс студенческих отрывков «Первая встреча с автором» («Станционный смотритель») 2009г. — второй международный конкурс студенческих отрывков «Режиссер и проза» — «За режиссерское сочинение и поэтическое осмысление автора» («Станционный смотритель») ГОРОХОВСКАЯ ЕКАТЕРИНА ВЛАДИМИРОВНА, российская актриса театра и кино, театральный режиссёр, педагог, театральный критик. Училась (1993-95) на актёрско-режиссёрском курсе Санкт-Петербургского гуманитарного университета профсоюзов (руководитель — З.Я.Корогодский). В 1996г. поступила на театроведческий факультет СПбГАТИ. В 1998г. дебютировала как актриса в БДТ. В 2000-2002гг. была вольнослушателем на актёрско-режиссёрском курсе Г.Козлова. Работала как режиссер в Саратовском и Екатеринбургском ТЮЗах. Была актрисой Большого драматического театра имени Г.А.Товстоногова. Театральные работы:  «Аркадия», «Пять двадцать пять»  (БДТ им. Г.А.Товстоногова) Режиссерские работы: «Волчок»,  «Зимы не будет», «Росток» (Саратовский ТЮЗ), «Серая шейка» (Екатеринбургский ТЮЗ), «Зимы не будет» (Тильзит-театр) Кроме этого Гороховская занимается озвучением мультфильмов: ее голосом говорят любимые детские герои — Лунтик, Забава («Добрыня Никитич и Змей Горыныч»), Аленушка («Илья Муромец и Соловей-разбойник»). Призы и награды: Лауреат театральных премий:  им. В.Стрежельчика в номинации «Лучший дебют» за исполнение роли Томасины в спектакле БДТ «Аркадия»; им. М.Г.Дубровина в номинации «Лучшая работа педагога» и «Лучшая работа режиссёра» за работу с творческой группой спектакля «13»;  им. М.Г.Дубровина в номинации «Лучшая работа педагога» за работу с творческими группами театра.

04 июля 2011 20-го июня на сцене нашего театра состоялся пятый по счету фестиваль «Театральный разъезд». Начался фестиваль еще на улице. У входа в театр зрителей встречали сказочные персонажи, которые всем желающим дарили воздушые шары с весьма необычными надписями — аплодисменты, запах кулис, овации. В фойе первого этажа публику развлекал мим в лице артиста Алексея Мосолова. Здесь же зрители могли получить за аплодисменты автограф  любимого артиста. Все пришедшие в этот вечер на «Театральный разъезд» смоли оценить авторскую коллекцию одежды от заслуженной артистки республики Киргизия Тамары Родькиной. В роли моделей выступили артистки театра Алла Засыпкина, Татьяна Башкова, Ольга Антошина, Екатерина Журавлева. На втором этаже театра зрителей также ожидало немало сюрпризов: чтение стихов и эпиграмм в исполнении заслуженного артиста России Александра Катунова и главного художника театра Сергея Аболмазова, пластические этюды студентов КГУКИ, выставка ручных работ местных мастеров — артистов театра. Екатерина Журавлева представила куклы-шкатулки и венецианские маски, актер Алексей Мосолов показал публике картины маслом и простым карандашом, актриса Алла Засыпкина продемонстировала свои работы по вышивке крестиком, заслуженный артист России Олег Метелев — дружеские шаржи на своих коллег по сценической площадке. На сцене театра зрителей  фестиваля ждала встреча с артистами театра драмы, Молодежного театра, Нового театра кукол. Свой шуточный номер показал Кубанский духовой оркестр ТО «Премьера».  Краснодарский край был представлен ТЮЗом  г. Туапсе. Гостем фестиваля, уже по сложившейся традиции, стал национальный театр республики Адыгея.

04 июля 2011 24 июня состоялась девятая театральная гостиная на которой были подведены итоги 91-го сезона! В течении месяца в фойе театра, на официальном сайте и в социальной сети «ВKонтакте» проводилось зрительское голосование, итоги которого были озвучены на гостиной представителями краевых и городских СМИ. На импровизированную сцену «кубанского театрального Оскара» (так, журналисты окрестили данное событие) дважды поднимался артист Андрей Харенко, которого зрители признали «Лучшим дебютантом 91-го сезона» и «Лучшим исполнителем эпизодической роли» — Артур в спектакле «Быть или не быть». Дважды повезло и артисту Арсению Фогелеву. Он стал лучшим в номинации «Лучшая главная мужская роль» — Фредерик из спектакля «Non dolet» и в номинации «Самая романтическая пара сезона». Симпатия зрителей была на стороне Арсения и его жены Екатерины Сокольниковой за прекрасный актерский дуэт Волченка и Котенка в пиратской сказке «Веселый Роджер». «Лучшим героем-любовником 91-го сезона» был признан артист Роман Бурдеев за роль Азариаса в спектакле «Non dolet». Победительницей в номинации «Лучшая главная женская роль» стала заслуженная артистка Кубани Мария Грачева за роль Анны в спектакле «Быть или не быть». Лучшей премьерой 91-го сезона был назван спектакль «Остров» режиссера Геннадия Николаева. Все победители получили именные награды и овации зрителей. Завершился праздник  фейерверком и общей фотографией на память.

01 июля 2011 22 июня артисты театра драмы приняли участие в открытии экспозиции музея-заповедника  им. Фелицына, приуроченной к 70-летию начала Великой Отечественной войны. Ими было разыграно театрализованное действо на улице перед зданием музея, иллюстрирующее вечер выпускников сорок первого года школы № 36 г. Краснодара.

28 июня 2011 4 июня состоялось открытие персональной выставки большого друга театра  Алеко Мирзояна под названием «Театр моими глазами». Впервые Алеко попробовал себя в качестве фотографа 28 лет назад и с тех пор он, кажется, ни на минуту не расстается с фотоаппаратом. Съемка стала одним из любимых увлечений в его жизни. Одиннадцать лет назад он попал в наш театр и на протяжении этого солидного времени он  не пропускает ни одной премьеры, каждое околотеатральное событие он запечатлевает на пленке своего фотоаппарата, выхватывая самые зрелищные моменты. Сегодня он, наконец-таки, решил порадовать нас, представив данную экспозицию. Здесь представлены фотографии как из действующих спектаклей: «Быть или не быть», «Non dolet», «Ночной таксист», «Негромкие слова любви», «Дом Бернарды Альбы»,  так и из тех, которых уже нет в репертуаре театра «Бег», «Жаворонок», «Аккомпаниатор», «Восемь любящих женщин», «Пигмалион». Вел торжественную церемонию открытия выставки артист Арсений Фогелев. Среди первых посетителей выставки были замечены: главный художник театра Сергей Аболмазов, заслуженный артист России Александр Катунов, артистка Екатерина Сокольникова, артист Сергей Мочалов.

16 июня 2011 10 июня в Краснодарском отделении Союза театральных деятелей России состоялась встреча режиссера Александра Огарева, приступившего к постановке спектакля «Гамлет» в нашем театре, с театральными критиками, журналистами печатных СМИ. Подробнее о встрече можно узнать в разделе «Пресса о театре», где выложены статьи журналистов, которым довелось с ним пообщаться.

31 мая 2011 С 24 по 26 мая в Краснодаре состоялся краевой семинар-практикум для художников любительских театральных коллективов по теме: «Особенности творчества театрального художника.Работа над декорационным оформлением спектакля». В течении трех дней участники семинара посещали театры Краснодара. 25 мая они посетили и наш театр. Знакомство с ним началось с художественных мастерских, экскурсию по которым провел заведующий постановочной частью Павел Беляков. После посещения бутафорского цеха, пошивочного, закройного художников ожидала встреча с театральным кртиком Еленой Петровой, главным художником театра драмы Сергеем Аболмазовым и режиссером-постановщиком Геннадием Николаевым.

21 мая 2011 21-го мая  11.00 в фойе театра драмы состоялся мастер-класс по сценической речи, который провела заведующая кафедрой сценической речи и вокала Школы-студии МХАТ, профессор Марина Брусникина. В нем приняли участие более ста представителей студенческой молодежи Кубани. Среди них студенты Краснодарского университета культуры и искусств, колледжа культуры ст. Северская, учащиеся школ искусств г. Краснодара, а также артисты краснодарских театров. Марина Брусникина рассказала о своих самых любимых голосовых упражнениях, а десять смельчаков, среди которых были артист нашего театра Алексей Мосолов и артист Молодежного театра Алексей Замко, опробовали их на практике прямо в фойе театра.

03 мая 2011 Актеру Краснодарского академического театра драмы им. Горького, заслуженному артисту России Олегу Метелёву исполняется пятьдесят лет. Он стоит на сцене — стройный, высокий, синеглазый. На него хочется смотреть, его хочется слушать. Ему безусловно веришь. Это — настоящий артист. Билет в театр Олег Метелёв родился и до 16 лет жил в Кирове — бывшей Вятке, которая так и не вернула себе исконного названия. Родители его работали на заводе и никак не были связаны с театром. Однако познакомил их именно театр: мама, распространяя театральные билеты в рамках общественной нагрузки, предложила молодому симпатичному рабочему: «Хотите пойти в театр?» И будущий папа-Метелёв ответил: «Если с вами, то с удовольствием!» Случайностей не бывает! Этот культпоход положил начало семейной истории Метелёвых: нечаянные театралы поженились, и на свет появились два брата — сначала Игорь, а потом и Олег, будущий заслуженный артист России. Ни окружение, ни среда не располагали к занятию искусствами. Олег жил с родителями и братом в рабочем районе, где довлели грубые интересы, бытовали пьянство и скука. Путь, проторенный местным мужским населением, был прост — ПТУ, а потом завод. Сверстники Олега Метелёва увлекались в лучшем случае радиотехникой или спортом. Отчего его, семилетнего, потянуло в драмкружок, он и сам не понимает. Однако потянуло, и нет нужды, что там он оказался едва ли не единственным мальчиком среди двадцати девчонок. Став школьником, Олег перешел в драмкружок городского Дворца пионеров. На занятия во Дворец приходилось целый час ехать в переполненном троллейбусе, но это не смущало будущего артиста. После спектакля юные зрители всей толпой валили на дискотеку, а актерам часто доставалось от подростков-хулиганов, у которых было заведомо плохо с высокими чувствами. Вообще в мальчишеской среде Кирова тех лет преобладала шпана, и ничего хорошего в этом факте не было. Тем не менее Олег Метелёв все детство не только играл на самодеятельной сцене, но и рисовал на пару с братом Игорем. Брат впоследствии стал профессиональным художником, а Олег Александрович до сих пор великолепно рисует дружеские шаржи, удивляя коллег и друзей. Тренинг и муштра Актер признается, что учился довольно посредственно, но умел производить впечатление на учителей: помогал все тот же артистизм. Его планы в отношении будущей профессии были абсолютно ясными. Метелёва не страшило, что конкурсы в театральные учебные заведения зашкаливали за сотню претендентов на одно место: популярность актерской профессии была просто фантастической. Окончив 9 класс, Олег довольно скоро оказался в Ярославском училище, на курсе Фирса Ефимовича Шишигина, ученика Мейерхольда. Ярославское театральное славилось своими традициями: педагоги в нем стояли за высокие стандарты и учили азам актерского ремесла со всем пылом носителей великой Системы. Метелёв вспоминает, что педагог по речи Елизавета Борисовна Василевская, прозванная студентами «баба Лиза», кидалась стульями в нерадивых учеников. Остальные тоже не отставали: жесточайший отсев не прекращался два года. Кроме стен училища студенты проходили практику на сцене знаменитого Ярославского театра имени Волкова, и это давало им совершенно бесценный опыт, закаляло и утверждало в ремесле. Олег по праву гордился своей маленькой ролью командира инвалидной команды в пьесе «Федор Волков» его имя тогда впервые появилось в театральной программке, знаменуя начало самостоятельной творческой жизни. В это время многие из будущих актеров мечтали сниматься в кино. Олега Метелёва это тоже привлекало. Вместе с однокурсницей — знаменитой впоследствии Анной Самохиной — он летал на кинопробы к известнейшему белорусскому кинорежиссеру Виктору Турову, снимавшему «Людей на болоте». Однако молодежь показалась Турову «слишком городской» по типу внешности, и им пришлось вернуться. Кстати, педагоги курса выступали решительно против таких успехов на стороне и даже скрывали от учащихся вызовы на киносъемки: чтобы как следует подготовиться к выпуску, студенты должны были целиком отдавать свои силы учебе. Работа актера над собой Окончив училище, молодой актер, как добрый молодец из русской народной сказки, отправился в долгое странствие  — на людей посмотреть и себя показать. Он ездил в Москву, Ленинград, Таллин, Ригу, Вильнюс, прослушивался в разных театрах, прислушивался и примерялся к разным сценам, коллективам и, главное, к себе. На выпускника Ярославского театрального училища с прекрасными актерскими данными, внешностью и голосом героя был спрос. Но существовала одна проблема: везде требовалась прописка — бич многих людей искусства советской эпохи. Ради прописки в престижных городах фанаты столицы шли на фиктивные браки, махинации с документами, невосполнимые жертвы. К счастью, Метелёв сразу отверг для себя этот путь, и судьба привела его в Ростов-на-Дону, к режиссеру Вячеславу Гвоздкову — замечательному мастеру, набиравшему молодых актеров, чтобы создать труппу в лучших традициях русского театра. Каждый начинающий артист помимо учебного заведения должен пройти «театральную школу» — процесс вхождения в профессию, адаптации и утверждения в ней. Школа означала работу «на износ»: интенсивные репетиции, два-три спектакля в день и длительные, до двух месяцев, гастроли в разных городах страны.  Над самой маленькой ролью приходилось работать до седьмого пота. Но школа того стоила. Через год театр сделал молодому актеру еще один подарок: Олег Метелёв нашел в труппе свою «половинку» — молодую актрису Ирину Щукину. Это было стопроцентное попадание, актеры поженились, а через год у них родился первый сын — Данила. Ростовский театр оказался прекрасной школой жизни для Олега Метелёва. Гвоздков действительно воспитал и сплотил замечательную труппу, актер стремительно рос, развивался, набирал профессионализм — тем тяжелее воспринял он неожиданный уход из театра любимого режиссера. Это означало безусловную потерю той «семьи», которая была создана общими усилиями руководителя и актерского состава. Пришедший новый режиссер не оправдал ожиданий, и для Олега Метелёва началась новая эпоха странствий. Этот период был, наверное, самым трудным в жизни актера и его семьи: поиск, перемены, неизбежные потери, выматывающие переезды из города в город, из театра в театр. «Красный факел» в Новосибирске, Самарский драматический, Кировский ТЮЗ, театр в Каменске-Уральском… Этот «курс выживания» сильно отличался от той программы, которую мог предложить благополучный стационарный театр. Играя разноплановые роли с разными режиссерами на разных подмостках, Олег Метелёв не только отшлифовывал свой природный талант, но и находил в себе совершенно новые грани, учился вживаться в меняющиеся реальности, каждый раз начиная карьеру «с нуля». Но теперь актеров было двое, и это усложняло задачу. В одних театрах Олега Метелёва принимали как героя, поручая ему все главные роли и при этом игнорируя Ирину, в других предпочтение отдавали его жене, а его самого принимали «как штаны». Они же искали коллектив, в котором было бы хорошо обоим. Пять лет метаний и поиска закончились в 1992 году, когда Краснодарскому драматическому театру им. Горького срочно потребовался актер с данными Олега Метелёва, чтобы сыграть главную роль в спектакле «Фрёкен Жюли». Сергей Павлович Голубков, сын профессора-идеалиста В то время театром руководил Рудольф Кушнарёв. Когда Метелёв прибыл в Краснодарский театр, его ждал сюрприз: вместо «Фрёкен Жюли» ему предложили сыграть роль Голубкова в пьесе М. Булгакова «Бег». Это было подарком судьбы. Образ русского интеллигента — тонко чувствующего и страдающего человека, ищущего потерянную родину и при этом несущего ответственность за любимую женщину, как нельзя лучше соответствовал внутренним качествам и жизненному опыту Олега Метелёва. В прессе писали о точном попадании актера в роль, о «светлых, почти акварельных красках» созданного им образа, о внутреннем напряжении, которое игралось столь тонко и сдержанно, что не оставляло сомнений в подлинности проживаемых чувств. Это был несомненный успех, с которым поздравили себя и актер и руководство театра. Ничего удивительного, что дальше, по словам Олега Александровича, «посыпались роли» — хорошие и разные: в среднем четыре-пять ролей за сезон. В любом жанре он чувствовал себя как рыба в воде: с неподражаемым блеском играл Панталоне в комедии Гольдони и дрессировщика Франкера в сармановском «Мамуре», был замечательным Гаевым в «Вишневом саде» Чехова — сложным, ранимым и бесконечно одиноким героем уходящей эпохи. Роль великолепного горского князя Казбека Шерет-Лука из спектакля «Хорош дом, да морока в нем» была отмечена критиками на фестивале «Кубань театральная-95» как одна из лучших актерских работ. Но даже играя гротесковые, почти лубочные персонажи, актер всегда сохранял связь с «живым человеком», его реалистичным началом и подлинными чувствами. Одним из главных спектаклей своей жизни Олег Метелёв считает «Евангелие от Воланда» по роману М. Булгакова «Мастер и Маргарита». В этом действе, продержавшемся на сцене без малого два десятилетия, он до сих пор играет две центральные роли — Мастера и Иешуа. Параллель между двумя образами, проведенная самим Булгаковым, в спектакле является решающей и требует от актера всех сил, всего нравственного багажа и внутренней правды. Он играет скупо, выверенно, точно, двигаясь, точно в священном танце, зная, что любое лишнее движение опровергнет выстраданную истину. Даже его молчание кажется густым, до краев наполненным сложным субстратом правды. Для него роль Иешуа — это приобщение к чему-то неизмеримо более высокому, нежели театральное искусство: пожалуй, к самому Духу. Олег Метелёв никогда не был рабом своей фактуры. Оставаясь всегда высоким, подтянутым красавцем, он радовался возможности побыть слабым, смешным, наивным, в конце концов, «плохим». И Краснодарский театр предоставил актеру весь спектр разноплановых ролей. Это и шекспировский Каюс в «Сэре Джоне Фальстафе»,  и Джозеф Кардин из «Детских шалостей» Лиллиан Хеллман, и Никитай из «Бададошкина и сына» Леонида Леонова, и Подколёсин в гоголевской «Женитьбе», и ироничный Генри Хиггинс в «Пигмалионе», и многие, многие другие. Даже простое перечисление сыгранных за пятнадцать лет ролей занимает много места. Этот период, закончившийся «Пигмалионом», был на редкость удачным для Олега Метелёва и его семьи. Еще одним подарком судьбы явился тот факт, что в1996 году у Олега и Ирины родился второй сын — Прохор.  Но через несколько лет труппа, лишившись постоянного художественного руководителя, стала испытывать серьезные трудности — и творческого, и финансового характера. Случайные режиссеры ставили на сцене краснодарского театра такие же случайные пьесы. Результатом этого явились пестрота репертуара, психологическая разболтанность труппы, отсутствие в театре стилистического стержня — и неизбежная творческая стагнация. Деятельная натура Метелёва требовала чего-то нового. И в судьбе артиста начался удивительный период, после которого он стал официально называться «актером театра и кино». Петербургские тайны Еще в 2001 году Олег Метелёв  начал сниматься в кино, сыграв роль командира арабских наемников в фильме Тиграна Кеосаяна «Мужская работа». Он снялся в общей сложности в пяти картинах, но это был, что называется, разовый опыт:  у актера не было возможности делать это постоянно. Но он мечтал вплотную соприкоснуться с профессией киноактера. В 2007 году Олег Метелёв оказался в северной столице. Оставив семью в Краснодаре, он намеревался утвердиться в кинематографе, который привлекал его еще со студенческих лет. Но съемки в кино — занятие нестабильное, и нужно было в очередной раз искать «театральную пристань». Его охотно приняли в труппу Санкт-Петербургского театра Комедии им. Н. П. Акимова, в котором в ту пору играли замечательные актеры: Михаил Светин, Анатолий Равикович, Петр Вильяминов, Ирина Мазуркевич, и другие. Труппой руководила Татьяна Казакова — ученица Анатолия Эфроса, одна из лучших режиссеров Санкт-Петербурга, чьи яркие, самобытные постановки неоднократно получали награды на самых престижных театральных фестивалях. Ее стиль работы отличается определенной жесткостью, актерам часто приходится репетировать ночью, но, по мнению Олега Метелёва, такой стиль вполне оправдан в отношениях «режиссер-труппа», особенно если речь идет о поистине талантливом руководителе.  В театре им. Акимова Метелёв сыграл несколько замечательных ролей, одна из которых — маркиз Оттавио Фаветти в «Голодранцах и аристократах» Скарпетты — получилась особенно удачной. Гротесковый образ старого волокиты, созданный с помощью грима и особой речевой стилистики, сочетал в себе черты Вертинского и Вульфа. Эта работа ярко высветила комедийную и пародийную грань таланта Метелева: в связи с ролью Оттавио его имя неоднократно упоминали в прессе. Однако артист, завоевывая все большую популярность в труппе, играя не маленькие роли в спектаклях театра им. Акимова, все же помнил, для чего он приехал в Санкт-Петербург. Снимаясь в фильмах и популярных сериалах, таких, как «Морские дьяволы», «Возвращение Турецкого», «Ментовские войны-4», «Улицы разбитых фонарей», «Литейный», «Когда растаял снег», Олег Метелев нарабатывал профессионализм киноактера: умение существовать перед камерой, мгновенно включаться и выключаться из роли, играть «как в жизни» — без сценического преувеличения и нажима, выражать чувства скорее глазами, чем лицом и телом. Все это потребовало перестройки — а значит, новых задач и нового витка личностного роста. Ему вполне удалось вжиться в предлагаемые обстоятельства и попробовать на вкус то, о чем мечталось. Созданные им на экране образы — красавец-боевик, карточный шулер, спивающийся композитор, стильный мафиози — кинематографические проекции тех аристократов рода и духа, которых ему более двадцати лет пришлось играть на сцене. Объединяет этих персонажей одно — блестящий профессионализм и присущее актеру чувство стиля. Творческая жизнь складывалась в Санкт-Петербурге довольно удачно, но важные обстоятельства позвали актера домой. Во-первых, в Краснодаре у него родился внук Никита. Во-вторых, директор краснодарского театра Татьяна Кривошеева позвала Олега Метелёва вернуться в «родные пенаты». Наконец, он просто отчаянно соскучился по близким людям. Он решил последовать зову сердца и через короткое время уже вновь служил «на родном театре»: впрочем, с кино он тоже не порвал. Все только начинается Сегодня актеру — пятьдесят. Подводить итоги рановато, но самое время ненадолго оглянуться и новым взглядом окинуть пройденный путь. Нынешний Олег Метелев — это зрелый, сложившийся мастер, человек с сильным личностным стержнем, для которого семья, творчество и духовность составляют триединую основу бытия. Он по-прежнему играет значительные роли в краснодарском театре, по-прежнему при любой возможности снимается в кино. Его последняя роль в театре — судья сэр Томас в премьерном спектакле «Быть или не быть» по пьесе Уильяма Гибсона, в постановке Владимира Портнова.  Самая свежая роль в кино — граф Головин в фильме Владимира Бортко «Петр I. Завещание». Актер считает, что разноплановость необходима в актерской профессии. Нельзя застревать в одном, однажды найденном, образе, в одном амплуа, на одном месте. Нужно уметь меняться, двигаться, рисковать. Олег Александрович говорит об этом так: «Лучше жалеть о том, что ты сделал, чем о том, чего не сделал». Ему не нужно много времени, чтобы вернуться «в себя» из роли, даже если эта роль требует большого напряжения сил. Театральное искусство — это игра, и нужно уметь быстро освобождаться от образа, стряхивать с себя судьбу и эмоции персонажа, иначе актеру грозит психическое расстройство. Жизнь для Олега Метелёва — это цикл уроков, которые необходимо пройти и усвоить, поэтому для него не существует случайных ролей, нечаянных встреч и поступков. Все в этом мире взаимосвязано. Он знает, что за удачами и неудачами, блестящими карьерами и семейными драмами зачастую стоит рисунок судьбы. По чьей воле голодранцы становятся аристократами? По мановению чьей руки кировский мальчишка из рабочего района превратился в интеллектуала и аристократа? Не странно ли, что именно его избрала Мельпомена для службы в своем храме? И, между прочим, что там дальше? Новые судьбы повороты, новые роли и новые открытия? В случае артиста Олега Метелёва можно быть уверенным: все только начинается. Наталья Малюченко

20 апреля 2011 9 апреля в театре  прошла долгожданная экскурсия «Академии театральных наук», которую 10 зрителей выиграли на очередном розыгрыше призов. Чем же обрадовали краснодарского зрителя на этот раз? Экскурсанты узнали много интересного об истории здания, в котором располагается наш театр; выяснили вместе с актёром Арсением Фогелевым, чем отличаются спектакли Камерного зала от спектаклей большой сцены; обсудили диковинный старинный реквизит в реквизиторском цехе; увидели макеты декораций и эскизы костюмов от главного художника Сергея Аболмазова; потрогали свежеизготовленные декорации премьерного спектакля «Остров» в бутафорском цехе; узнали о судьбах костюмов в пошивочном цехе; ознакомились с работой «шумовиков» — извлекателей самых разнообразных звуков в звукоцехе; примерили костюмы настоящих артистов в костюмерной; подглядели за артистами, готовящимися к спектаклю в гримерной; и, наконец, финальный аккорд, апофеоз всей экскурсии —  вышли на Большую сцену! А там — бездна удивительных, поучительных и смешных историй от экскурсовода и артистов, знакомство с «руководителем секретов» на театре, демонстрация светового и механического оборудования, и — внимание, самое главное! — поворот на 180 градусов на сценическом круге! Спустя час зрители выходили из театра уставшие, довольные, обогатившиеся новыми и незабываемыми впечатлениями, фотографиями и автографами «людей театра», и под небом, залитым ярким весенним солнцем, каждый зритель ощущал себя побывавшем в прекрасной стране Чудес! А вы хотите туда попасть? Заявки принимаются по телефону: 253-95-09 (администраторская)

20 апреля 2011 Уважаемые зрители, представляем Вашему вниманию фотоотчет с репетиции спектакля «Быть или не быть», премьера которого состоится 23 и 24 апреля! Фотограф Алеко Мирзоян!

11 апреля 2011 Краснодарский академический театр драмы им. Горького готовит для зрителей две весенние премьеры. Один из спектаклей, по  пьесе английского драматурга Уильяма Гибсона «Быть или не быть», ставит Владимир Портнов. Над вторым — по пьесе Эдуарда Акопова «Остров» — работает Геннадий Николаев. Владимир Портнов — известнейший российский театральный режиссер. Окончив режиссерский факультет Ташкентского театрального института, он прошел несколько стажировок в московских театрах, где его формировали и «заквашивали» такие корифеи отечественной режиссуры, как Олег Ефремов, Андрей Гончаров, Анатолий Эфрос. Портнов ставил спектакли в театрах Маяковского и Станиславского, возглавлял театр на Малой Бронной. Работал с лучшими актерскими составами страны и сам формировал творческие коллективы. Он известен также как талантливый  актер, сыгравший множество ролей в театре и кино. Владимир Михайлович исповедует театр, в котором главное лицо — это актер. Своей главной задачей он почитает раскрыть в артисте его индивидуальность, глубину, настроить как музыкальный инструмент: тогда талант «зазвучит» в своей неповторимой тональности. «Актера надо беречь, — говорит Портнов. — Его нельзя расстраивать. И ему нельзя врать, он сразу чувствует фальшь и закрывается». Взаимодействие режиссера и актера, по мнению мастера, зиждется не на речевых объяснениях, не на схематичном выстраивании мизансцен, а на формировании особого понимающего поля, излучающего верные импульсы. Тогда актер обретает индивидуальность и свободу, и сценическое действие становится органичным и притягательным. Труппу краснодарского драматического театра Владимир Портнов характеризует как талантливый и многообещающий коллектив, с которым можно плодотворно работать. Для постановки на большой сцене режиссер выбрал пьесу Гибсона. Содержание «Быть или не быть», как следует из названия, имеет отношение к личности Вильяма Шекспира. События пьесы Гибсона происходят в маленьком городке в Англии XVI века; окружение главного героя составляют его семья и местные жители. По мнению режиссера, главная тема «Быть или не быть» — это проблема существования Художника в условиях реального мира. Человек искусства, мастер, в потоке обыденной жизни хрупок и уязвим, ему легко обрезать крылья, его легко сломать. И для этого не нужны «шекспировские» страсти — достаточно обывательского окружения и отсутствия достойных средств к существованию. В театре полным ходом идут репетиции, премьера назначена на 23 апреля. Но уже сейчас можно предположить, что спектакль вызовет широкий отклик у зрителей. Вторая премьера в театре драмы произойдет предположительно через месяц после первой. Несмотря на то, что последние годы Геннадий Николаев работал в Москве, Краснодар для него — родной город и труппа драматического театра им. Горького — одна из самых любимых. Он окончил Краснодарский институт культуры и режиссерский факультет ГИТИСа, стажировался в  московском Центральном Детском театре (ныне Российский академический молодежный театр). Работая на разных сценических площадках страны, он создал более 60 спектаклей. В нашем театре Геннадий Николаев ставит десятый спектакль. Многие зрители помнят его замечательные постановки — волшебную сказку «Синяя птица» по Метерлинку, остросоциальную фантасмагорию «Сны Евгении» по пьесе Е. Казанцева, «Жаворонка» Ж. Ануя, на котором впервые сверкнула талантливая актриса Мария Грачева, и многие другие. Работы Николаева всегда интересны, психологичны, чувственны — и необычайно глубоки. Спектакли он создает спонтанно, как живое полотно, творя его в тесном взаимодействии с актерами. Его принцип — ничего не придумывать заранее, ориентироваться на энергетический отклик, идущий из самого существа артиста. В «Острове» Эдуарда Акопова режиссера привлекла психологическая острота разворачивающегося сюжета. Компания молодых людей, случайно и ненадолго оказавшаяся на одном необитаемом островке, очень быстро становится «взрывоопасной смесью». Суть конфликта знакома каждому: сильный пытается уничтожить умного; драматизм происходящего усугубляется тем, что «приз гонки» — любимая обоими девушка. Моральное противостояние парней подобно разбушевавшейся стихии, которая срывает с них маски и обнажает самые неприглядные стороны личности. Опасность нарастает с каждым поворотом драматического действия. Чувства героев настолько сильны, что, кажется, излучают смертоносную энергию. Поединок на маленьком острове заканчивается весьма неожиданно. И на главный вопрос — кто победитель? — предстоит ответить зрителю. Этот спектакль, несомненно, привлечет к себе внимание и особенно придется по душе молодежной аудитории. Премьера должна состояться в конце мая.

05 апреля 2011 3 апреля по окончании спектакля «Тектоника чувств» по пьесе Э.-Э. Шмитта в театре прошел очередной розыгрыш призов, который провела очаровательная молодая актриса Евгения Белова (напомним, что для участия в данном мероприятии необходимо было приобрести программку). Этим вечером в качестве подарков разыгрывались такие «артефакты», как фирменный театральный календарь, афиши с автографами артистов и пригласительные билеты на спектакли текущего репертуара. Счастливые номера из стеклянного ящика вынимала самая маленькая зрительница. Двоим обладателям программок достались особо ценные призы: книга стихов заслуженного артиста России Александра Катунова и афиша готовящегося к постановке спектакля «Быть или не быть» с автографом режиссера-постановщика Владимира Портнова. Надо заметить, что розыгрыши пользуются большой популярностью у зрителей, а некоторые из них, не надеясь на «авось», покупают сразу несколько программок. В этот вечер энтузиазм одной из таких групп зрителей был вознагражден призом и одобрительными возгласами участников лотереи. Следующий розыгрыш призов ожидается 30 апреля, после спектакля по пьесе Н. Птушкиной «Они были так трепетно счастливы».